Искусство гжельской росписи

Часто Азарова черпает  сюжеты для своих работ в мифологии, народной сказке. Еще одним источником творческих импульсов для художницы  становится сама жизнь с ее домашними  заботами, отдыхом, праздниками.

Над созданием скульптурных сосудов интересно работает З.В.Окулова. Ее первые изделия, посвященные военно-патриотической теме, были выполнены в 1966 году для  выставки “Художники - детям”. Окулова  раскрылась не сразу и в полной мере проявилась в 70-х годах. Она  живописец, но с первых дней самостоятельно создает формы изделий, решает проблемы единства пластики и росписи. Роспись  Окуловой активно взаимодействует  с формой. Скульптурные детали в  ее изделиях переходят в живописные изображения, находят в них свое логическое продолжение и завершение. Цветочные мотивы украшают многие изделия  Окуловой: тугие бутоны роз, лотос  и лилия, ромашки и незабудки... Видимо, ощущая однообразие формы, художница  прибегла к выполнению орнамента  в пластике: многолепестковые цветы в виде ручек соединяются с туловом сосуда. Иногда роспись Окуловой не подчиняется форме сосуда, а дополняет пластический образ скульптурных деталей.

В 70-е годы коллектив пополнился новыми художниками. С 1974 года в производственном объединении “Гжель” работают А.Н.Федотов, Т.С.Дупалиева и В.Т.Розанов, творчество которых наиболее полно раскрылось в конце 70-х в 80-е годы.

В производстве осваивались  все новые формы бытовых приборов - масленок, бокалов, кружек, сахарниц, конфетниц, декоративных тарелок, ваз, а также наборов для блинов, пельменей, ухи, меда, варенья, чая, компота, воды, молока и других. Во всех изделиях отразилось стремление создавать не просто предмет с ясно выраженной функциональностью, а художественное произведение, в котором богатое назначение и декоративность неразрывны, дополняют и обогащают друг друга.

В этот период появились  многочисленные предметы, призванные радовать человека, пользующегося ими  и в будни, и в праздники. Гжельские  изделия приобрели необычайно широкую  известность, а вместе с ней возрос спрос на них. Лучшие уникальные изделия  вошли в собрания крупнейших музеев страны. Современный фарфор с подглазурной росписью кобальтом стал предметом коллекционирования. Гжельский “бум” не утихает. С одной стороны, он вызвал интерес ко всем изделиям с сине-белым сочетанием, веру в художественное совершенство и непогрешимость гжельских изделий, а с другой - породил озабоченность не всегда заслуженным успехом, стремление разобраться, в чем же заключается гжельское своеобразие.

Анализ произведений конца 70-х - 80-х годов позволяет уяснить  представление об искусстве Гжели  этого периода, конкретизировать общие  черты и их выражение в индивидуальных почерках и тем самым определить его место в истории развития промысла.

80-е годы стали временем  широкого овладения художественными  средствами традиционного гжельского  искусства, приобщения молодых  к коллективному опыту. В этом  процессе огромное значение приобретает  воздействие искусства ведущих  мастеров. Если в старой Гжели  мастерство огранично передавалось от старшего поколения младшему, что сохраняло живую связь, то теперь художники, начинающие работать на промысле самостоятельного творчества. Поэтому ведущим художникам промысла необходимо чаще соотносить свои работы с искусством старых мастеров, так и с требованиями современной жизни, сохраняя школу высокого мастерства и чистоту сложившегося стиля. Освоение молодыми художниками большого опыта, накопленного коллективом промысла, становится необходимым условием прогрессивного развития искусства Гжели. Молодежь живо воспринимает все новое в искусстве и чаще обращается не к отдаленным традициям XVIII - XIX веков, а к сложившимся в современное время. Школа мастерства основывается на опыте и авторитете старшего поколения, его всеобщем признании.

В 80-е годы коллектив промысла пополнили новые талантливые  художники Ю.Н.Гаранин, В.В.Неплюев, М.В.Подгорная, А.В.Церегородцев, В.Н. и Т.В. Хазовы. Они понимают, что стать художниками промысла можно лишь тогда, когда хорошо усвоишь достижения прошлого. И несмотря на то, что их творческая деятельность началась в обстановке сложившегося традиционного мастерства, перед ними встал вопрос: какой должна быть Гжель? У каждого из них свой ответ, но всех их роднит одно - любовь к искусству Гжели. Стремление к его наиболее полному постижению.

В Гжели не было непрерывности  развития традиционного мастерства, передаваемого от одного поколения  к другому. И те, кто стоял у  истоков нового искусства, сознательно  обратились к прошлому.

Традиции майолики XVIII века, полуфаянса XIX века нашли продолжение в гжельском фарфоре с подглазурной росписью кобальтом, хотя между этими видами изделий - фарфором, майоликой и полуфаянсом - существуют огромные различия. Разработанные старыми гжельскими мастерами представления о декоративной росписи, о форме изделий, об ограничном единстве формы с живописными и пластическими решениями были положены в основу современного искусства, в истории которого ясно прослеживаются три периода.

Первый период (1945 - 1955 гг.) связан с возрождением традиционного  мастерства, всей местной художественной системы, с поисками своего образного  языка и созданием бытовых  изделий, отвечающих духу времени.

Возрождение искусства Гжели  во многом способствовало глубокое исследование прошлого, содержащееся в трудах А.Б.Салтыкова, а также практическая деятельность технологов художников-профессионалов. Научно-исследовательского института  художественной промышленности непосредственно  на промысле.

Все начиналось с освоения приемов традиционной гжельской  росписи, так как без овладения  техническим мастерством не может  быть искусства. Вместе с живописной техникой осваивались способы создания художественного образа, постигалось  понятие декоративности, которая  мыслилась как образное восприятие действительности.

В этот период воспитывался вкус гжельских мастеров. Декоративные возможности синего кобальта и белого фона раскрывались в разнообразных  живописных приемах и способах работы кистью. В сознании мастеров закреплялось представление о единстве росписи  и формы, и в первый период это  единство приобрело ограничность. В изделиях утверждался принцип целесообразности и функциональности. От старых мастеров гжельцы унаследовали умение превращать простые бытовые предметы в художественные изделия. Достижения первого периода складывались в единую стройную систему, положившую начало формированию своеобразного современного искусства Гжели.

Второй период (1955 - 1970 годы) отмечен дальнейшим расширением  стилистических границ нового искусства. Осваиваются разнообразные виды традиционных изделий. Единство стилеформирующих элементов утверждается не только в бытовых предметах, но и в наиболее сложной области “сосудоваяния” - в скульптурных сосудах и в изделиях, украшенных скульптурой.

Возрождаются традиционные приемы пластики малых форм, формируются  искусство гжельской скульптуры.

Все это совпало с глубокими  преобразованиями, коснувшимися всего  декоративно-прикладного искусства, которое, избавляясь от влияний станковизма, возвращалось к своим специфическим средствам, своему условному декоративному языку. В это время особое значение придавалось национальным народным традициям.

Как прежде, так и теперь, искусство Гжели соотносится  с художественными процессами, происходящими  в различных областях современного творчества, но, испытывая влияние  со стороны, оно крепко стоит на традиционной основе и в своем развитии опирается  на опыт народного гончарства, майолики, фаянса и фарфора, а также на культуру изразцов.

Третий период (1970 - 1990-е  годы) проходит под знаком усиления декоративности гжельских изделий. Возрастают их выразительность и  изобразительность. Эволюция форм в  сторону усложнения декоративного  образа отвечает духу времени и совпадает  с процессами, происходящими во всем декоративно-прикладном искусстве.

Особенность гжельского искусства  этого периода заключается в  том, что в процесс создания новых  декоративных форм, в поиски нового образного решения включались живописцы - исполнители, мастера росписи.

Третий период дал огромное разнообразие новых форм и видов  изделий. Значительно расширился диапазон гжельского искусства от ясно выраженного  бытового назначения к декоративности, преобладающей над функциональностью, от традиционных сосудов со скульптурными  украшениями и пластика малых  форм к выставочным произведениям  и оформлению интерьеров, от простоты и выразительности решение образа к усложнению образного содержания, измельченности и манерности.

Основой развития искусства  Гжели 80 - 90-х годов остаются традиционные художественные принципы, унаследованные от старых мастеров и сформировавшиеся в советское время . “Традиция способна рождать устойчивые эмоциональные структуры - те культурные ценности, которые характеризуют нацию и поднимаются до высоты общечеловеческого, их несет через эпохи, ломку старого к новому - народное искусство. Изменяясь во времени, оно не изменяет розовой сущности и имеет свои законы развития”.

Стилистическое единство гжельского искусства не исключает  разнообразия творческих проявлений, а наоборот, складывается из совокупности различных почерков, развивающихся  в рамках единой художественной системы.

Для искусства Гжели важное значение имеет цельность объема, который подчеркивается росписью. В последний период тенденция к усилению декоративности привлекла к пластической измельченности и усложненности форм. Изменилась и роспись, а также образное содержание изделий. Искусство создания предмета приобрело сложный, многогранный характер - пространственный, живописный, скульптурный. Если в первый период выполнялись художественные изделия в основном для повседневного пользования, то теперь художники считают себя вправе не ограничиваться функциональностью формы и стремятся к созданию изделий эмоционально насыщенных, наделенных сложными ассоциативными связями, способных не только украсить но и преобразить наш быт.

Современное искусство Гжели - живое, развивающее художественное явление, которому свойственны поиски, взлеты и падения. Его оценка не может  быть однозначной, и, прогнозируя дальнейшее развитие, можно говорить об успехе лишь тогда, когда обращение к  наследию будет носить характер глубокого  творческого постижения. “Нужно уметь  читать в прошлом, а не подрожать  ему”.

Развитие искусства в  Гжели в целом можно рассматривать  как единый органический историко-художественный процесс наследования традиций и  обогащения их новыми чертами. Гжельская  керамика самая яркая, поэтическая, национальная традиция в истории  русского искусства. Богатая фантазия, высокий профессионализм, чувство  материала, гармоничность - вот те черты, которые третий век привлекает к  гжельским изделиям всех, кто любит  искусство.

В третьем веке гжельские  изделия принимают участие в  формировании эстетики быта, они входят в плоть и кровь русской  культуры.

В данную работу входит кофейный сервиз на 12-ть персон:

12 чашечек - высота 5,5 см, Ф  4 см.

12 блюдец - Ф 6 см.

1-й чайник - высота 11,5 см, ширина 15 см.

2-ой чайник - высота 8,5 см, ширина 10 см.

сахарница - высота 8 см, ширина 15 см.

Сервиз выполнен из белого фарфора. Своеобразие группы предметов, объединенных в сервизе, состоит  в том, что все здесь продиктовано прежде всего конкретным выражением бытового назначения. И в то же время изделия, дополняют друг друга живой переменчивостью форм и росписи, составляют единый ансамбль.

2.2.Технология  декоративной росписи «гжель»

Стройная художественная система приемов гжельского письма закреплялась в индивидуальных почерках, своеобразных манерах исполнителей. Используя в творчестве один и  тот же набор живописных элементов, каждый художник создает свой индивидуальный, узнаваемый сюжет росписи: букет  или отдельный цветок, архитектурные  пейзажи, животный и растительный мир, изображения людей.

В целом же современные  художественно - стилевые особенности  росписи представляют собой художественное явление, обладающее ярко выраженным стилистическим единством. Важная особенность в  гжельской росписи сине - белого фарфора - живописное начало. Большое  значение придается движению кисти, способной создавать множество  тончайших градаций синего цвета. В  росписи применяется широкий  кистевой мазок с его переходами от звучного, насыщенного синего цвета  до размытого голубого. В сочетании с белым фоном рисунок создает ажурный узор на поверхности изделия: в центре - яркое, крупное пятно - изображение цветка, а вокруг легкая россыпь веточек с листьями и ягодками, завитков, усиков, едва различимых, уходящих в белизну фона. Лепестки цветка, выполненные одним закругляющимся мазком с тенями, складываются в пышную, округлую чашу. В ее белой середине рассыпаны мелкие точки-тычинки. Градация синего цвета придает лепесткам выпуклость, цветок словно вылеплен из лепестков-долек. Гирлянды цветов соседствуют с сетчатым орнаментом, выполняющимися тонкой кистью. Сетки могут сочетать в себе чередование тонких и широких линий, перемежающихся точками.

Основными элементами, составляющими  неповторимое своеобразие подглазурной росписи фарфора, являются так называемый кистевой "светотеневой мазок" (мазок с тенями), кистевой мазок одной кистью, ситчик, а также второстепенные: сетки, штриховки, завитки, отводки, усики и т д. Кистевой "мазок с тенями", ставший родовой приметой обладателя свидетельства, обладает широким тональным диапазоном: от глубоких и темных тонов до очень светлых и легких, тонов подглазурной росписи. Краска наносится на поверхность изделия легким круговым разворотом. В утолщенной части кисти краски больше - кистевой мазок получается темным, насыщенным. Ближе к середине мазок включает различные оттенки синего цвета. "Мазок с тенями" образует плотную поверхность синего цвета, контрастирующего с белым фоном. В этом случае особенно важно соотношение белого и синего цветов. Белый фон становится вторым цветом, он также активен, как и сама кобальтовая роспись.

При "росписи одной  кистью" каждый последующий кистевой мазок отличается от предыдущего  тональной насыщенностью. Насыщенность синего цвета меняется в зависимости  от того, как расходуется краска, набранная на кисть: первые мазки  получаются сочными, но по мере убывания краски светлеют. Тогда на кисть  вновь набирают краску - мазки резко  усиливаются, а затем вновь ослабевают. Этот прием чаще используется при  изображении многолепестковых цветков. Каждый лепесток отличается насыщенностью синего цвета, а в целом одноцветное изображение получает богатое тональное звучание, что придает росписи особую мягкость.