При переносе материала  манги на широкий экран очень  часты расхождения с оригиналом. Отчасти это связано с тем, что манга и аниме оперируют различными художественными приёмами и отражение некоторых моментов, столь удачно показанных в манге, в аниме попросту невозможно. Иначе зритель заскучает и переключит канал. С другой стороны, очень часто аниме начинают выпускать, не дожидаясь оригинальной концовки комиксов, а впоследствии сценаристы вынуждены в спешном порядке придумывать наполнение для тех или иных серий, т.к. мангака по каким-то причинам ещё не нарисовал нужный объём информации. Вот и получается, что в манге концовка одна, а в аниме – совсем другая. Такие моменты являются камнем преткновения на большинстве аниме-форумов, где собираются отаку, дабы порассуждать на тему любимых сериалов.

На родине манга  просто архи-популярна, что постепенно привело к её распространению  и в других странах. В настоящее время японские комиксы издаются в США, Канаде, Франции, Польше и других странах. Постепенно развивается манга-движение и в нашей стране, правда пока чаще всего прочитать мангу можно, скачав несколько архивов в Интернете, но потихоньку дело идёт к высококачественному выпуску манги – неотзеркаленной, разумеется. В европейских странах манга не так популярна, как в уже упоминавшейся Польше и Германии, а наиболее всего на Западе манга популярна в США. Тут, правда, следует учитывать, что в Штатах наиболее жёсткая цензура и многие кадры из манги перерисовываются заново или героям хотя бы добавляют лишние детали одежды.

Первоначально манга на Западе издавалась ежемесячно – как и местные комиксы, но постепенно издатели перешли на японский вариант еженедельного издания а-ля «телефонный справочник». 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

     Искусство

     Живопись

   Японская живопись столь же уникальна, как и вся японская культура в целом. Для неподготовленного человека традиционная японская живопись может показаться обычной «мазнёй», которую способен нарисовать любой первоклассник или даже детсадовец. Но это, разумеется, не так: нужна твёрдая рука и отточенное мастерство, чтобы несколькими скупыми штрихами изобразить картину. Но не просто картину, а изображение, которое будет дополнено каждым наблюдателем своими собственными домыслами и переживаниями. А теперь давайте обратимся к истокам японской живописи.

   В основе всех стилей японской живописи лежат  континентальное направление, пришедшее из Китая и Кореи, и чисто японское. До X века доминировало китайское направление, после чего появилась именно японская живопись – ямато-э, основные представители этого направления были выполнены в виде ширм и сдвижных экранов. Потом, чуть позже появляются длиннющие живописные свитки эмакимоно, а также картины на отдельных листах примерно альбомного формата.

   К XIV в. жанр эмакимоно угасает и его  вытесняет живопись тушью в дзэнской манере – суми-э, которая далеко выходит за рамки монастырской традиции и становится неотъемлемой частью светского искусства. К наиболее важным школам японской живописи эпохи Эдо относят школы Тоса и Римпа, которые специализировались на рисовании картин в стиле ямато-э. В эпоху Эдо процветали также и другие направления живописи: школы Маруяма-Сидзэёо, Акита, Итоо и др. Было популярно также направление намбан — буквально «южный варвар» — так японцы называли европейцев. Художники, работавшие в этом стиле, подражали западной живописи и по-своему использовали западные сюжеты и законы перспективы. С начала XVIII в. в моду входит стиль бундзинга («просвещенная живопись») – художников, рисовавших в этом стиле, особенно вдохновляла южно-китайская живопись эпохи династии Юань, называемая в Японии нанга.

   Укиё-э — это один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо, появился он в первой половине XVII века, а во второй половине XIX в. пришел в упадок. Как правило, под укиё-э понимают жанровую живопись и с особенности гравюру. Укиё-э означает «картинки плывущего мира», есть вариант появления названия укиё-э, согласно которому японские любители прекрасного воспринимали картины укиё-э как «всплывающие» из глубины листа – традиционная японская живопись не знала, что такое перспектива и художники не пользовались этим в принципе. В центре внимания художников укиё-э были обитатели этого непостоянного мира преходящих удовольствий: прекрасные дамы, как правило, — знаменитые гейши и куртизанки (жанр бидзинга), актеры театра кабуки, воспринимавшиеся в ту эпоху как «куртизаны» мужского пола (жанр якуся-э), эротические сцены (так называемые сюнга — «весенние картинки»), сцены любования прекрасными природными явлениями, праздники и фейерверки, «цветы и птицы» (катёга), а также знаменитые виды природных ландшафтов.

   Первые  картинки в стиле укиё-э появились  еще в начале века в лавках Киото  и сначала это были не гравюры, а живописные работы – анонимные  и монохромные, обладающие непритязательной композицией, а потому и недорогие. Эти картинки назывались сикоми-э, «быстро изготовленные картинки», их в огромных количествах писали художники-матиэси, объединенные в большие артели. Главной темой картинок были так называемые «банные девушки» из разряда дешевых проституток, и известные куртизанки.

   Революцию в укиё-э произвел Судзуки Харунобу (1725—1770), который в 1764 году впервые  применил технику цветной печати, названной нисики-э, «парчовые картинки», или Эдо-э, эдоские картинки. Около 1770 года новый взлет пережил жанр якуся-э и теперь можно было действительно узнать изображённых актёров не только по личным гербам на одежде, но и по портретному сходству.

   Золотым веком укиё-э считается конец XVIII— начало XIX вв., когда творили  такие гиганты, как Тории Киёнага (1752-1815), Китагава Утамаро (1753-1806), Тосюсай Сяраку (г. ж. н.), Тёбунсай Эйси (1756—1815), Кубо Сюнман (1757—1820), Кацукава Сюите и др. Вскоре пейзаж становится одной из любимейших тем для изображения и непревзойдённым мастером пейзажа был и остаётся Кацусика Хокусай, который впоследствии подарил миру картинки манга. Особенной известностью пользуются его работы, собранные в сборнике «36 видов Фудзи».

   Как это  ни странно, но в токугавской Японии жанр укиё-э очень долгое время  почитался как «низкий» жанр, в  связи с чем огромное число  работ было попросту утеряно. Забавным фактом можно счесть тот, что сами японцы обратили внимание на красоту и художественную ценность укиё-э только после того, как работами японских художников стали восхищаться иностранцы, закупая их для своих коллекций. 

Икэбана 

Икэбана — искусство компоновки цветов и  веток в вазе, вид прикладного  искусства. Его истоки восходят к  середине VI в. и связаны с ритуальным подношением цветов божествам буддистского пантеона. Как особый вид прикладного  искусства икэбана сложилась  к середине XV в. Впоследствии появились различные стили, развивающиеся в рамках нескольких школ. Каждая из них имела свою определенную эстетическую теорию. Основные стили икэбаны — нагэири (с использованием высоких узких ваз, в которых цветы располагаются как бы в естественном виде), морибана (с использованием плоских сосудов и специальных металлических подставок с игольчатыми стержнями — кэндзан; несет на себе влияние европейского искусства), дзиюбана (с произвольной аранжировкой), дзэнъэйбана (с аранжировкой авангардистского типа).

Ведущие школы икэбана — Икэнобо —  первая в истории этого искусства, строго каноничная и традиционная, Охара — создательница стиля  морибана и Согэцу, для которой  характерна объемная графическая композиция.

Икэбана — это целый мир, своеобразный, развивающийся по своим законам, говорящий на своем художественном языке. В основе каждой композиции присутствуют, как правило, три элемента, символизирующие Небо, Землю и Человека. Составляющие элементы — сосуд (ваза) и растительный материал (цветы, ветки, травы). Икэбана имеет определенную символику соотношения со временем, сезоном года и событиями. В соответствии с ними подбираются и составляющие элементы. Ведущими принципами икэбаны являются простота, асимметрия и кажущаяся незавершенность при глубокой философской обоснованности сюжета и проработке деталей композиции. 

   Оригами

   Оригами — искусство складывания и  вырезания фигурок из бумаги, любимое  занятие японских детей, достигшее  очень высокой степени развития. Для оригами продается специальная бумага разных цветов, определённого формата, с приложением схем, показывающих, как сделать ту или иную игрушку, а также наборы инструментов. Фигурки отличаются большой выразительностью и сложностью. Чтобы сделать самурайский шлем или барсука, нужно произвести 5-7 операций, а встречаются и такие фигурки, для изготовления которых таких операций требуется более 20.

   Международную известность оригами принесла фигурка  журавлика, издревле считавшегося символом надежды, а сейчас ставшего символом избавления Японии от атомной угрозы и лучевой болезни. Для его изготовления требуется выполнить около 12 операций. Гирлянды таких фигурок стали элементом праздничных украшений.

   Бонсай

   В японском языке слово "бонсай" означает не просто карликовое растение, а культуру выращивания растений на подносе или в неглубоком горшке, блюде, поддоне. Очевидно, что если дерево может быть выращено на подносе, должен существовать метод выведения миниатюрных образцов того или иного вида. Большинство искусств Японии были в свое время заимствованы в Китае (бонсай здесь не является исключением), но именно в Японии этот метод культивирования деревьев разъелся и вырос до уровня изящного искусства. В Японии можно видеть образцы, передающиеся от поколения поколению. Японцы не ограничиваются одними деревьями, предметами бонсай становятся кустарники, ползучие, травянистые и даже водные растения. Бонсай можно представить и как дерево или любое другое растение, рассматриваемое через уменьшительные линзы телескопа или фотоаппарата. Мастер бонсай воплощает в своем живом произведении повторение взрослого или старого дерева в миниатюре с сохранением всей красоты данного вида. Законченный бонсай должен производить именно такое впечатление, хотя, конечно, полного повторения в миниатюре добиться невозможно. Так, невозможно сохранить то же самое количество ветвей, размер листьев уменьшается не в строгой пропорциональности к натуральной величине. Естественно и то, что не очень элегантная густота ветвей может не быть воспроизведена в бонсай; так же трудно создателю бонсай повторить в своем произведении часто встречающееся в природе пренебрежение к параллельным линиям и переплетающимся ветвям. Вследствие сказанного понятие бонсай в расширенном толковании будет следующим: художественно идеализированное натуральное дерево в миниатюре, выращенное на подносе или в неглубоком горшке, плошке. Эта специфическая область декоративного садоводства представляет собой синтез науки и искусства. Методика культивирования бонсай может быть почерпнута из книги, но художественное видение — неотъемлемый компонент при создании бонсай — должно быть выражено его создателем.

   Бонсай  в законченном виде складывается из следующих основных элементов: растения, грунта и горшка (плошки). Все вместе они образуют единое живое произведение. Таким образом, целью является не только вырастить в контейнере здоровое растение, но и создать нечто целое из трех упомянутых элементов, находящихся в гармоническом единстве друг с другом, причем каждый из этих элементов должен иметь свой естественный и привлекательный вид. Бонсай обладает всеми признаками своего крупномерного прототипа: у него есть ствол, кора, ветви, листья, цветы, плоды; он так же произрастает в почве, обнажая выступающие корни, то есть повторяет модель произрастания дерева данного вида естественной величины. Грунт должен выглядеть естественной частью рельефа, тщательно подобранные камни-"скалы" и мох — вызывать ассоциацию с природным лесным ландшафтом. Контейнер выбирается как можно проще, цвет и форма его всегда ненавязчивы. В этом случае контейнер становится естественным составным этого трехмерного дизайна. Получившийся бонсай, таким образом, удовлетворяет эстетическим требованиям и создает хорошее настроение, которое бывает, когда мы смотрим на живописный лесной пейзаж, рощицу на склоне холма, лесную лужайку. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

     Театр

   Театр в Японии насчитывает многовековую историю и отличается большим  жанровым многообразием. В нем сохраняются  театральные формы, возникшие на разных этапах истории страны и бытовавшие в разной социальной среде.

   В Японии можно увидеть появившееся  в VIII в. придворное церемониальное театральное  представление бугаку, исполняющееся  под музыку гагаку, а во время  религиозных праздников исполняются  еще более древние синтоистские мистерии кагура.

   Самой строгой классикой в Японии считается возникший в XIV в. театр ноо, вид очень условной танцевальной оперы, в которой воплощаются военно-феодальные эстетические идеалы средневекового самурайства, а актеры играют в масках. Представления театра ноо устраиваются регулярно. В Токио ежемесячно проходит около 20 спектаклей.

   Они рассчитаны на довольно узкий круг любителей этого жанра и идут не более двух дней подряд. Труппы актеров  ноо сохраняют замкнутую средневековую  структуру, ими руководят главы  школ, полностью определяющие их творческую деятельность. Актеры и музыканты не имеют права переходить из одной школы в другую. В крупных городах существует по несколько театров, принадлежащих отдельным школам.