Московский концептуализм

Нижегородский Государственный Педагогический Университет 
 
 
 
 

Курсовая по культурологии

на  тему:

  «Московский концептуализм»  
 
 
 
 
 

Выполнил: Студентка  5-ого курса 

заочного отд. ТЭФ, группы ИЗО

Руководитель: Зав.кафедры ДП и ИЗО  
 
 
 
 

Нижний  Новгород

2011 год 
 

Содержание 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Введение 

     Московский  концептуализм — направление в неофициальном искусстве СССР. Термин возник в 1979 году благодаря статье Бориса Гройса «Московский романтический концептуализм», опубликованной в журнале «А — Я». Также это направление иногда именуют «Московской концептуальной школой».

     Для понимания творчества любого автора важно понимание как общего контекста  культуры и традиции, так и контекста  непосредственно жизненного и культурного  окружения и в особенности  той области, сферы, с которой  он непосредственно взаимодействует  и на которую проецирует свою деятельность с разной степенью вовлечения в нее.

     Связи Московского концептуализма с традициями русского искусства, философской и эстетической мысли еще практически не изучены. Хотя во многом именно они сформировали самостоятельный облик Московского концептуализма искусства. Иногда они прочитываются прямо, узнаются как открытая отсылка к определенному источнику. Иногда предстают как объекты скрытой, внутренней полемики. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

     История возникновения Концептуализма. 

     КОНЦЕПТУАЛИЗМ (от лат. conceptus – мысль, понятие) – направление в культуре 20 в.– литературе, искусстве.

Концептуализм сформировался в  русле постмодернизма в 1960–1980-е.

     Трансформация традиционного мира, где царили незыблемые культурные и нравственные ценности, сопровождался появлением в начале 20 в. новых течений в искусстве, условно подразделяемых на авангард и модернизм. К модернизму принято относить символизм, акмеизм, экспрессионизм.

     Авангардные направления начала 20 в. – футуризм, дадаизм, сюрреализм, отчасти ОБЭРИУ. После Второй мировой войны принципы модернизма и авангарда применялись в искусстве постмодерна, в частности, в концептуализме. Из авангарда была заимствована манипулятивность – склонность экспериментировать с прямым воздействием искусства на человека. Из модерна – традиции стилизации, использование цитат и реминисценций.

      Постмодернистское искусство 20 в. все больше превращается в арт-деятельность, функционирует как производство, конструирующее арт-объекты – некие музыкальные, информационные, художественные и литературные «продукты», сочетающие в себе интеллектуальный замысел, логическую рефлексию и элементы собственно художественного произведения. Прежние виды искусства – живопись, графика, скульптура – используются как вспомогательные наряду с дизайном, видео-артом, компьютерной графикой, инсталляциями, хэппенингами и т.д. Личность художника деперсонифицируется. Субъект, порождающий произведение, исчезает, его место занимает своего рода арт-инженер, предлагающий конструктивно-концептуальное «решение» художественного объекта.

      По  словам критика М.Эпштейна, «…слишком  много слов вылетело на ветер в  словоизвержениях 20 в., чтобы за ними не выветрился еще один слой – психологическая подоплека, обнажив еще более глубинный – метафизическую пустоту. Эти мертвые слова … выметают из языка концептуалисты, позволяя нам на пределе обманутого слуха услышать само молчание».

     В зависимости от того, какими культурными  штампами «играет» художник-постмодернист, можно обозначить ведущие направления  постмодерна. Поп-арт использует образы, темы и тексты рекламы, упаковок и  комиксов. Соц-арт имеет дело с  темами, штампами, текстами и образами, заимствованными из искусства тоталитарных идеологий, в частности в России – из соцреализма.

     Концептуализм ориентирован на создание композиций, цель которых – предъявление некой  художественной идеи. Он объединяет процессы творчества и его исследования. Это  искусство или, скорее, интеллектуальная практика, занятая анализом собственного языка. Ее задача – переход от создания художественных произведений к провозглашению свободных от материального воплощения «художественных идей». Полемизируя  с поп-артом, сосредоточенным на предметном мире, концептуалисты утверждали, что единственная достойная задача художника – генерирование идей и концепций.

     Художники-концептуалисты. Как течение концептуализм оформился  в конце 60-70-х среди художников США, Великобритании, Италии (в Италии назывался Arte Povera), Франции, Нидерландов, Советского Союза. По мнению апологетов течения, поскольку концепция произведения важнее ее физического выражения, цель искусства – передать идею или свидетельствовать о событиях, ее содержащих, что можно осуществить при помощи фотографий, разнообразных текстов, магнитофонных и видеозаписей и т.д. Порою концептуальное искусство может вообще обойтись без экспонирования. Пример такого подхода – известная нью-йоркская «Выставка-манифест» 1969, на которой было объявлено, что она состоит из каталога, а «материальное присутствие работ – дополнение к каталогу».

     Большую роль приобретает инструкция к пониманию  арт-объекта. Зрителю предлагается сопоставить свое мнение с концепцией автора – вступить с ним в интеллектуальную игру. При этом одни работы оказывались намеренно банальны, другие выставлялись, чтобы забавлять или шокировать зрителя.

     Движение  быстро росло и приобретало международный  размах. В духе концептуализма работали художники Дж.Кошут, ЛеВито, Р.Берри, Л.Левин, Х.Хааке в США, Я.Диббетс в Я.Диббетс в Нидерландах, П.Мандзони, В.Аккончин в Италии, Арнатт, Берджин, Крейг-Мартин, Келли, Лонг, Б. МакЛин в Великобритании и др. Значительное влияние на концептуалистов оказала деятельность теоретика и практика дадаизма Марселя Дюшана (1887–1968), который еще в 1913 в Нью-Йорке стал выставлять осмысленные в новом ключе предметы массового производства – реди-мэйды: велосипед на табуретке (1913), писсуар «Фонтан» (1918), «Мона Лиза» с усами и т.д. Подчеркивая это влияние, английский концептуалист Брюс Науман сфотографировался выплевывающим струю воды и назвал изображение Автопортрет фонтана (после Дюшана).

     Концептуализм – искусство интеллектуальное, во многом ироничное – изначально возникло как противовес искусству коммерческому. Концептуальные композиции не имело смысла продавать или покупать, составные части для них подбирались из предметов обихода, на свалке, порою художественным объектом становился сам автор. Так, Стюарт Брисли в течение двух недель часами лежал в ванне, наполненной грязной черной жидкостью, в Лондонской художественной галерее (намек на загрязнение среды и плохую экологию). Йен и Ингрид Бакстер обернули все, что находилось в их квартире, в пластиковые мешки и устроили выставку (объектом созерцания может быть любая вещь). Кейт Арнатт повесил на себя вывеску «Я настоящий художник», сфотографировался и разместил изображение на выставке (художник – тот, кто таковым себя считает). Аккончи сфотографировал и прокомментировал, как он каждый день вставал на стулья и сходил с них, после чего сравнивал разные способы, которыми он это делал (многообразие способов действия).

     Концептуальным  объектом с соответствующим комментарием могли стать любые предметы –  фотографии, тексты, ксероксы, телеграммы, графики, схемы, диаграммы, формулы, репродукции  и объекты, не имеющие функционального  назначения. Концептуальная композиция, которую они составляли, представляла собой чистый художественный жест, освобожденный от какой-либо пластической формы. Часто использовались природные материалы – земля, хлеб, снег, трава, зола, пепел от костра. Составной частью композиции могла быть и среда, в которой демонстрировался концептуальный объект, – улица, дорога, поле, лес, горы, морское побережье, населенный пункт, инженерное сооружение, памятник, здание и т.д.

     Джозеф  Кошут, один из основоположников течения, писал в статье Искусство после  философии (1969): «Основное значение концептуализма, как мне представляется, состоит в коренном переосмыслении того, каким образом функционирует  произведение искусства – или, как  функционирует сама культура: как  может меняться смысл, даже если материал не меняется. …физическая оболочка должна быть разрушена, т.к. искусство – это сила идеи, а не материала». Наиболее известные работы Кошута – надпись Пять слов из оранжевого неона, которая высвечивалась в затемненной комнате оранжевым неоном, композиция Один и три стула (1965), включавшая в себя, помимо настоящего стула, его фотографию и описание этого предмета из словаря.

     Концептуальное  искусство не взывает к эмоциональному сопереживанию, его суть прежде всего – в интеллектуальном угадывании идеи и восприятии игрового импульса.  
 
 
 
 
 
 

     Концептуализм в России. Московский Концептуализм.

     Концептуализм получил распространение практически  только в одном городе – Москве.  МК отличался от западных версий этого  направления, не только стилистикой  и «фелософией», но и характером истории.   В частности, это связанно со спецификой его «социального статуса» как неофициального искусства. Другой повлиявший фактор, оказавший воздействие на характер направления, практическое отсутствие в предшествующей художественной традиции  эстетического опыта модернистского искусства, логическим продолжением которого стал западный концептуализм. Внимание Московского концептуализма было направлено прежде всего на исследование изобразительного языка реалистического искусства и на формы массовой идеологической продукции.

     Концептуализм во всем мире начинается почти одновременно – как искусство «после 1968 года»  или «около 1968 года». На Западе, где 1968 год принес студенческую революцию, это был проект эры новой политической свободы и мобильности, эры странствий как авторов, так и произведений.  Но и в СССР, где 1968 год связан не с темой свободы, но с темой угнетения (вторжение советских войск в Чехословакию и, как следствие, начало диссидентского движения): диссидентская политика была антиизоляционистической, построенной на идее единства мира и на представлении о том, что даже «железный занавес»  проницаем. Место для искусства в СССР в 1970-е годы перестала быть «темная» комната в коммуналке, но ее место заняла не «белая» галерея, а светлая мастерская на чердаке высокого дома (именно такие были у И.Кабакова и Э.Булатова), где шли не выставки, а обсуждения, диалоги и документация этих диалогов.

     Концептуальная  эстетика в СССР зарождается на специфическом  фоне: в стране, которая пыталась упразднить любые отчуждения, как  социальные, так и эстетические. Осуществление этого проекта огромного репрессивного ресурса, который должен был удерживаться вне пределов сознания, поскольку любое исследование негативных категорий в «райском» мире запрещалось как диссидентское. В результате к середине ХХ века советская эстетика в массе своей зашла в тупик. Неофициальное искусство 1950-1960-х годов само отчасти не избегло некоторого безумия, но концептуализм предложил выход в сторону здравого смысла. Он подорвал основу совецкого искусства – отказ от критической рефлексии; но он же проанализировал сам этот отказ, вписав советское искусство в авангардный проект

     В СССР начала 1970-х годов было два  близких круга, где эта эстетика культивировалась (оба в Москве). Один круг Ильи Кабакова, с условным названием «московский концептуальный круг»(Кабаков, Виктор Пирагов и другие); другой представляли Виталий Комаров и Александр Меламид, которые дали своему проекту название «соц-арт». Оба варианта концептуальной эстетики сформировались к 1972 году. Соц-арт передислоцировал художников с традиционного искусства на бастионы идеологии. Московский концептуальный круг сместился скорее в область литературы, создавались новые формыальбомы, картины «стенгазеты» (И.Кабаков), пространственного текста (Дмитрий Пирогов, Лев Рубинштейн), литературного комментария к зрелищу (группа «Коллективные действия»).