1. Жесткость,  плотность фактуры;

2. Пластическая  моделировка;

3. Приближение  фигуры к переднему плану;

4. Цельность, строгая соотнесенность частей;

5. Детализация.

Среди его произведений такие, как “Неверие Фомы”, “Успение Марии”, “Положение во гроб”, “Мандолинистка”, “Призвание апостола Матфея”, “Обращение св. Павла”.

2.2.4. Музыка

           В музыкальном искусстве XVII в. начинается как бы с решительного перелома, с бескомпромиссной борьбы против полифонии строгого стиля. В это время было провозглашено рождение нового стиля - монодии с сопровождением, гибко следующим за поэтическим словом. В результате, динамичнее становится музыкальный язык, обновляется музыкальное искусство, порождающее новые творческие искания.

           Новые исторические условия и социальная атмосфера, новые черты мировоззрения сильным  образом повлияли на судьбы и характер музыкального искусства. Музыка ощутила на себе напряженный, тревожный, неустойчивый, патетический дух времени. На пороге новой эпохи остро прозвучало требование драматической выразительности в музыке: флорентийцы создали оперу. Именно возникновение оперы в Италии открывает эпоху XVIIв. в истории музыкального развития Западной Европы. Будучи новым синтетическим жанром, она была призвана воплотить идеал “нового стиля”. Появление данного жанра было длительно и многосторонне подготовлено в художественной атмосфере Возрождения: увлечение образцами древнегреческой трагедии, пасторальные драмы, духовная опера Кавальери, мадригальная комедия (Веке “Тик-так-ток”), комедия масок, драматические спектакли, интермедии... Выдающимся оперным композитором был Клаудио Монтеверди, который углубил драматическую сущность нового жанра, обогатил полифонической традицией, средствами музыки показал многообразие человеческих характеров. В основу его опер положена драматическая мелодия (concitato - взволнованный стиль), сплавлявшая речевые интонации, декламацию и вокал. Монтеверди включил в оперу симфонические эпизоды (увертюры), детально разрабатывал оркестровку, вводил новые технические приемы для большей выразительности: тремоло, пиццикато. Таким образом, Монтеверди явился смелым новатором, далеко опередивший современное ему музыкальное искусство. Его произведения: оперы  “Орфей” 1607 г., текст А.Стриджо,  “Ариадна” 1608г., текст Ринуччини, “Коронация Поппеи” 1642г. и др., интермедии  “Балет неблагодарных”, “Музыкальные шутки” и др.

     С середины XVIIв. намечается определенная колея развития оперного жанра, устанавливаются типы, разновидности, образуются школы:

     1) Венецианская: Фр. Ковали, Марк А.Чести,  Фр. Сократти, А. Сартарио, Дж. Лоренцо,  Д.Фрески и др.

     Характерно:

     а) античный, мифологический, исторический сюжет в свободной трактовке;

     б) захватывающее действие, любовные интриги;

     в) введение комических эпизодов;

     г) опора на арии, мелодии близки бытовым, народным;

     д) утрачивается виртуозность;

     е) изменяется функция речитативов - только связки между ариями;

           ж) большая роль оркестра. Увертюры программны, тематически связаны с оперой;

           з) утверждаются оперные  декорации (Торелли). 

     2) Неаполитанская: во главе с А.Скарлатти.  В его творчестве откристаллизовался  жанр оперы-serio (серьезной оперы). Черты:

           а) Сюжет исторический, легендарный, античный, мифологический;

     б) стержень - любовная интрига;

           в) герои условны, главное не характер, а эмоции, данные в контрастах и противоречиях;

           г) главенствующее значение музыки;

           д) текст носит  обобщающий характер;

           е) вырабатываются определенные типы арий, их функции: ария-жалоба, ария мести (гнева), героическая ария, пасторальная, бравурная,...

           ж) большая роль принадлежит  оркестру. Индивидуализируются партии струнных и духовых, утверждается трехчастная  увертюра - simfonia: 1ч-быстрая, 2ч - кантиленная, 3ч - моторная.

           Параллельно опере  развивается крупный вокальный  жанр оратории, более камерный кантаты. Главным принципом оратории становится раскрытие только музыкальными средствами драматического содержания. Постепенно итальянская оратория вытесняет ораторию с латинским текстом. Сольное пение вытесняется хоровым. Текст оратории сближается оперным либретто. Проявляется стремление к типизации арий и ансамблей. Достигнув зрелости, итальянская оратория проникает в другие страны: Англию, Австрию (Гендель, Гайдн).

           Кантата в XVIIв. складывалась как жанр по преимуществу светский, постепенно приближаясь к оперной композиции в камерных масштабах. Кристаллизация жанра связана с именами Дж. Кариссими, А. Страделла. Постепенно определяются разновидности кантат: лирическая (камерная), праздничная (более масштабная).

           История инструментальной музыки XVIIв. - это история создания инструментальных ансамблей с ведущей ролью скрипки. Постепенно определяются ведущие типы ансамблей (трио), выдвигаются солирующие инструменты. В середине века образуется соната, как цикл нового типа.

     Это породило:

           1) поиск нового  тематизма, образной определенности, конкретности;

           2) расширение рамок  композиции, самоопределение частей;

           3) контрастность  динамики и лирики в макро-  и микромасштабах.

     Постепенно  соната из контрастно-составной формы  превращается в цикл.

           Развивается и жанр сюиты. Постепенно создается тип  концерта - grosso. Представители:

           Арканджело Корелли. Характерно: отсутствие тематических контрастов в пределах частей; сопоставление solo и tutti для активизации музыкальной ткани; ясный и открытый образный мир.

           Антонио Вивальди. Черты: отсутствие в большинстве произведений программы, но яркий тематизм, конкретность музыкального языка. Мелодии близки фольклорному песенному, танцевальному пласту, оперным интонациям. Вырабатывается определенный тип трехчастной композиции:

           1ч - быстро; рондо,  разработочный характер;

           2ч - медленно, лирический  центр;

           3ч - быстро.

           В области органной музыки ведущее место принадлежит Фрескобальди. Основные черты стиля: смешение полифонических форм, тяготение к “взволнованному стилю”, жанровое разнообразие, тематическая индивидуализация.

           Таким образом, художественная и музыкальная жизнь Италии была многоплановой и разнообразной.

2.3. Искусство Фландрии

 

2.3.1. Живопись

           Первая буржуазная революция, ставившая целью освобождение народа от власти церкви, разделила  страну на две части: юг (Фландрия, современная  Бельгия) и север (Голландия). Огромный социальный и духовный подъем, пережитый  Фландрией в период революции, сыграл решающую роль в расцвете культуры. Не случайно через все искусство проходит тема стихийной жизненной мощи, всевластной, безграничной; слышатся отзвуки героической эпохи. В начале XVIIв. происходит восстановление страны от разрухи. Культовая архитектура воспринимает черты и формы итальянского барокко: декоративное оформление фасадов, играющих самостоятельную роль, с применением скульптур, пластической орнаментации. Например, церковь св. Карла Барромея в Антверпене (1614-1621гг.), архитектор П.Хёйсенс (церковь Иль Джезу).

           Скульптура сочетает в себе народную традицию и итальянскую  пластику барокко (многие мастера работали в Италии). Представители: Франсуа  Дюкенуа, Лукас Файдхербе...

           В целом в искусстве  Фландрии было преобладание живописи, определяющей пути развития скульптуры, архитектуры, художественной промышленности. Представители:

           Антонио ван Дейк (1599-1641). Характерна внешняя эффектность, барочная патетика, внутренняя экспрессия, духовная сила, большая реалистичность и достоверность. Например, “Портрет Ф.Снайдера”.

       Непревзойденным Мастером эпохи стал Питер Пауль  Рубенс (1577-1640). Органично претворил  наследие итальянского Возрождения: единство мира, жизнеутвержде-ние, прославление человека как центра мироздания; новой  куль-турной эпохи: высший дина-мизм, пластичность, резкость, разомкнутость композиции, страдание и горе в тематике, мо-нументальность, декоратив-ность, торжественность; нацио-нальные традиции: реализм. Явился творцом парадного портрета, создателем классичес-кого типа, алтарного образа. Например: “Охота на львов”, “Водружение креста”, “Персей и Андромеда”, “Вакханалия”...

           “Надо видеть Рубенса, надо Рубенсом жить, надо Рубенса копировать, ибо Рубенс - Бог” Делакруа. 

     2.4. Искусство Испании

     2.4.1. Живопись

           Более жесткое, строгое  воплощение получил стиль Барокко  в Испании. К тому времени Испания  переживала свой “Золотой век” в искусстве, находясь при этом в экономическом  и политическом упадке. Это первая страна с законченной формой абсолютной монархии с господствующим классом - земельной аристократией.

           Для искусства Испании  характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного.

     Среди представителей:

      Доменико  Теотекапуле (Эль Греко) - художник рубежа XVI-XVIIвв. Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных  сюжетов и празднеств: “Святое  семейство”, “Апостолы Петр и Павел”, “Сошествие святого духа”, “Христос на масляничной горе”.

Эль Греко  был великолепным портретистом. Всегда изображаемое он трактовал как ирреальное, фантастическое, воображаемое. Отсюда деформация фигур (элементы готики), предельные колористические контрасты с  преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения...

“Портрет  поэта Эрсильи-и-Суньиги”,

“Портрет  кардинала Тавера”,

“Портрет  неизвестного”.

      Но  не его картины украшали пышный испанский  двор. Среди художников, работавших при дворе Филиппа II, были:

      1. Франческо Сурбаран (1598-1664) - “Отрочество Богоматери”, “Младенец Христос”. Главное в его картинах - ощущение святости, чистоты; простое композиционное решение, плавность линий, плотное цветовое решение, материальность, вещественность, богатство колорита, величавость, сдержанность, реальность жизни, соединенные с мистичностью веры, высокой духовностью, эмоциональной напряженностью.

           2. Хусепе Риберо (1591-1652). Основные сюжеты его картин - мученичество  святых, портреты людей, проживших  долгую жизнь. Но его работы  не сентиментальны. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них - истинно испанская народная гордость. Например, “Хромоножка”, “Святая Инесса”, “Апостол Яков-старший”.

           Казалось, что испанская  живопись никогда не выйдет из “стен” храмов. Но это сделал Диего Веласкес (1599-1660) - великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес - великий полифонист живописи. “Завтрак”, “Портрет Оливареса “, “Шут”, “Сдача Бреды” (“Колья”), “Пряхи”.

           Художником, завершившим  “золотой век” испанской живописи, был Бартолелло Мурильо. Он, отчасти, продолжил бытовую линию, намеченную Веласкесом. “Девочка с фруктами”, “Мальчик с собакой”.