Театр эпохи Возраждения

Тем не менее  через заимствованные античные комедийные приемы просматривались некоторые  примеры живого, реального быта. Например, герой комедии, говоря о  разорении отцовского дома, бросает  фразу: «…как будто там на постое уже год стояли испанцы». Имеются  в пьесе и такие моменты, когда  предлагается взять взаймы деньги у  еврея-ростовщика, дается такое описание дамского кокетства, какое было совершенно немыслимо в древние времена.

Хотя Ариосто и был придворным комедиографом, он имел смелость делать серьезные намеки в адрес современности. Один из слуг произносил такой монолог: «О, я отлично изучил повадки сильных мира сего… Они приказывают слуге стоять у двери и разрешают пускать только шулеров, сводников, разных подозрительных личностей, а честных, благородных граждан гонят в шею…». Эти слова поэт говорил в адрес, конечно же, не античных правителей.

Признаки современности  проглядывали в комедии сильнее  всего в образах слуг. Пьеса  «Комедия о сундуке» была поставлена на сцене придворного театра. По тогдашней традиции она была пышно  обрамлена мифологическими интермедиями, которые показывались в антрактах. Во время действия комедии слуги  практически не уходили со сцены. Такое положение вещей неожиданно придавало придворному представлению  демократический характер. Слуги  вели себя как эпикурейцы, хором  восхваляли господское вино, говорили, что могли бы «опрокидывать его  по целой бочке и плясать от радости».

Комическое  действие произведения стало выражением жизнерадостной стихии и динамики быта. Самыми колоритными представителями  всех этих начал были слуги. Оставаясь  бытовыми персонажами, они несли  в себе четко выраженные театральные  функции. В связи с тем что  на ранней стадии своего развития театр  не скрывал своей игровой природы, действие, в ходе которого не была бы сочинена проделка или не было бы ловкого  притворства и трюка, публика  не приняла бы. В самом начале развития драматургии игру не отделяли от правды, потому что правда могла  быть передана только через игру. По мере того как комедия приближалась к реальной жизни, соотношение этих начал изменилось в пользу правды.

В 1509 году Ариосто создал комедию «Подмененные». Ее действие происходило в Ферраре. Герои пьесы упоминали в своих монологах названия площадей и улиц Феррары, а еще называли такие города, как Венеция, Сиена, Анкона, Равенна и пр. В комедии рассказывалось о непорядках, творившихся в те времена в Италии.

Ариосто хоть и использовал для своего произведения древнеримскую схему построения пьес (например, «Пленники» Плавта и «Евнухи» Теренция), но его герои имели итальянские имена. Кроме того, интрига, сохранив необходимую условность, уже относилась к реальному итальянскому быту.

В период с 1518 по 1529 год Лудовико Ариосто создал еще три комедии: «Студенты», «Чернокнижник» и «Сводня». В этих пьесах довольно сложное переплетение комичных ситуаций не помешало проявиться и некоторым чертам реализма.

Как писалось выше, в Италии усилилась реакция и  возникли суды инквизиции. В этих условиях преобладающим театральным жанром стала комедия интриги. И первой такой пьесой стала комедия Бернардо Довици «Каландрия», написанная в 1513 году. Впоследствии Бернардо Довици стал кардиналом Биббиены. За основу он взял пьесу Плавта «Менехмы». Итальянский драматург превратил братьев-близнецов в брата и сестру, а для большей интриги поменял им платья. Поскольку близнецы обоего пола имели массу любовных интрижек, то по ходу пьесы возникало немало комических и в основном непристойных ситуаций. Комедию представили на суд зрителей при дворе Урбино. Действие было обставлено с великой роскошью, имело великолепные декорации и пышные мифологические интермедии .

В XVI веке в итальянской  комедии был выработан некий  стереотип. Во всех пьесах была сложная  интрига, повторялись одни и те же сюжеты с подмененными детьми, с  переодетыми в мужское платье девушками, ловкими и плутоватыми  слугами, с комическими неудачами  влюбленных стариков. Все эти произведения создавались для развлечения  аристократов, поэтому особого интереса не представляли и остались только в том веке, в котором и были написаны.

На фоне всех этих легковесных сочинений ярко выделяется комедия «Мандрагора», написанная в 1514 году. Ее автором является Никколо Макиавелли (1469—1527) . В этой комедии он использовал реалистические и сатирические тенденции Ариосто, доведя их до идейной и художественной зрелости.

Действие комедии  происходит во Флоренции времен Макиавелли. Главный герой пьесы – глупый богатый доктор права мессер Нича. В его красавицу жену Лукрецию влюбился весьма привлекательный юноша по имени Каллимако. Для того чтобы овладеть женщиной, Каллимако при помощи плута Лигурио придумал хитрый ход.

Он узнал, что  доктор Нича очень хочет иметь сына, но его жена никак не может зачать и родить. Каллимако приходит к ним в дом, назвавшись знаменитым врачом. Он говорит мессеру Нича, что есть одно чудодейственное средство против бесплодия, приготовленное из корня растения мандрагоры. Но, предупреждает мнимый врач, прибегать к такому лечению опасно, потому что «первый мужчина, который будет иметь с ней близость после принятия настоя, обязательно умрет».

Мессер Нича очень хочет сына, но перспектива смерти его не устраивает. Каллимако говорит ему, что против смертоносного действия корня мандрагоры имеется одно средство. Для первой близости с Лукрецией нужно привести к ней в спальню первого попавшегося бродягу. На такое условие доктор Нича согласен, тем более что после этого яд будет ему не опасен, а рождение сына обеспечено. Конечно, такой простак, как Нича, не мог даже догадаться, что этим бродягой будет сам Каллимако.

Но если глупого  мужа два плута легко обвели вокруг пальца, то умную и порядочную Лукрецию обмануть не так-то просто. У Каллимако и Лигурио ничего не получилось бы, не помоги им монах фра Тимотео, который был духовником Лукреции. Этот священник-лицемер, толкая женщину на любовную связь, бессовестно обманывает ее, говоря: «Я провел более двух часов над Писанием, исследуя этот случай, и после внимательного изучения я нахожу многое и в частности и в общем, что может быть истолковано в нашу пользу. Что же касается самого действия, то сущая басня, будто это грех, ибо воля наша согрешает, а не плоть; жена грешит, если причиняет неудовольствие мужу, а вы угождаете ему; грех в наслаждении, а для вас это только неприятность. Ваша цель – обрести для рая новую душу и ублаготворить своего супруга».

Обманывая бедную женщину, монах зарабатывает несколько  золотых монет, т. е. торговля Божьим словом идет бойко. Выводя в пьесе  образ фра Тимотео, Макиавелли противопоставляет растлевающей церковной морали естественную мораль, которая выражается в страстной любви Каллимако к Лукреции.

Когда женщина  убедилась в глупости мужа и подлости своего духовника, она согласилась  признать Каллимако своим господином, защитником и руководителем. В этом просматривается чисто ренессансное начало, т. е. молодой Каллимако имеет больше прав на любовь юной Лукреции, чем ее глупый, старый, богатый муж. Таким образом, драматург провозглашает гимн свободному чувству, а сатира бесстрашно бичует тунеядцев и ханжей.

Макиавелли  был основоположником такой комедии, которая стала оружием идеологической борьбы. Среди его последователей можно назвать таких выдающихся авторов XVI века, как писатель-публицист  Пьетро Аретино (1492—1556) и философ-материалист Джордано Бруно (1548—1600).

Аретино в период с 1534 по 1546 год создал целый ряд комедий, которые были уже далеки от древнеримских. Среди них можно назвать такие пьесы, как «Кузнец», «Комедия о придворных нравах», «Таланта», «Лицемер» и «Философ». В произведениях этого автора имеется много современных героев, даны точные и яркие описания придворных нравов. Пьесы Аретино содержат в себе анекдотические и чаще всего непристойные сюжеты, но эта дань веку и моде ничуть не ослабляла их сатирической направленности.

Такое же мощное сатирическое содержание имеет последняя  комедия итальянского Возрождения  – «Подсвечник», написанная в 1582 году Джордано Бруно. В русском переводе эту пьесу назвали «Неаполитанская  улица». Автор показывает развратников, педантов и шарлатанов, тем самым  обличая царившие в то время в  обществе распутные нравы и жажду  наживы.

Как Аретино, так и Бруно, создавая свои комедии, не рассчитывали на их постановку. В связи с этим материал пьес не был сценически обработан. Тем не менее общественное значение произведений от этого не уменьшилось. Тем временем в Италии, да и во всей Западной Европе реакция занимала все более сильные позиции. И вполне естественно, что, преследуя вольнодумцев, она не преминула бы учинить расправу над Пьетро Аретино. Но драматург не стал искушать судьбу и нашел убежище в свободной Венеции. Джордано Бруно не избежал печальной участи и был сожжен папскими палачами в Риме в 1600 году.

Общественное  и историческое значение «ученой  комедии» очень велико. Ее ценность заключается в том, что такого типа комедии послужили дальнейшему  развитию комедийного жанра в  других странах Европы – в Испании, Англии, Франции. Самыми знаменитыми  учениками и последователями  итальянской «ученой комедии» считаются  Шекспир («Укрощение строптивой») и  Мольер («Любовная досада»).

Трагедия

Итальянская трагедия стала вторым жанром гуманистической  драматургии. Произведения такого типа в XVI веке создавались на основе сочинений  Софокла, Еврипида и Сенеки. Это значило, что трагедии в еще большей степени, чем комедии, зависели от античных канонов.

Мифологические  или легендарные сюжеты, наличие  хора и наперсников, преобладание повествовательного начала над действенным – все  это придавало итальянским трагедиям  стилизованный характер. Такого рода пьесы были весьма и весьма далеки от социальных и философских тем  тогдашнего общества.

В 1515 году драматург  Дж. Триссино создал трагедию «Софонисба». Ее сюжет имел слабо выраженный патриотический элемент. Все дальнейшие произведения этого жанра развивались лишь в сторону так называемой трагедии ужасов. В сочинениях Ручеллаи, Аламанни, Сперони, Дольче, которые были написаны в духе кровавых трагедий Сенеки, лились потоки крови и совершались самые ужасные преступления. Ни одна трагедия не обходилась без того, чтобы не показать накал диких страстей, жуткую мстительность и безмерную жестокость. Даже в основу знаменитого поэтического творения Торквато Тассо «Король Торисмунд», написанного в 1586 году, лег сюжет о кровосмесительной любови брата и сестры. В финале пьесы происходит двойное самоубийство.

То, что в  обществе существовал интерес к  такого рода произведениям, говорит  о многом. Например, о падении  морали в верхушке власти и упаднических настроениях в обществе. Естественно, в том обществе, где преступление практически всегда было залогом преуспевания, а необузданные страсти считались проявлением личной независимости, кровавая трагедия была современной. Только однажды, в 1548 году, Пьетро Аретино предпринял попытку написать трагедию на патриотический сюжет. Это была пьеса «Горации», которая все-таки не могла изменить общую картину.

Поскольку в  итальянской трагедии не поднималось  никаких общенародных гражданских  проблем, она не могла достичь  вершин высокой поэзии. Ни одно из сочинений  этого жанра не сохранилось до наших дней. Пастораль

Третьим по счету  жанром гуманистической драматургии  считается пастораль, истоки которой  находятся в римской буколической поэзии.

Изначально  пастораль была чисто поэтической, т. к. основывалась на произведениях  Вергилия. Наиболее ярким примером такого рода пасторали (пастушеской  поэзии) может служить произведение Боккаччо «Фьезоланские нимфы». В 1480 году Анжело Полициано создал лирическую пастораль с драматическим уклоном под названием «Сказание об Орфее». С этого момента пастораль понемногу приобретала драматические элементы и форму оригинального театрального представления.

Пасторали раннего  периода несли в себе заряд  жизнерадостного восприятия окружающего  мира. Чувства в этих произведениях  освобождались от диктата средневекового аскетизма, давали ощущение воцарившейся гармонии, а также единения человека и природы.

В годы общественного  застоя был очень моден культ  идеальной любви. Этот жанр был далек  от народа и не имел сюжетов на общественные темы. В связи с этим к середине XVI века пастораль стала излюбленным  жанром среди аристократов и приобрела  подчеркнутую изысканность.

Пьесы такого рода с их изнеженными пастухами и  пастушками, которые олицетворяли собой  «благородные изысканные натуры», с  их исключительным интересом к любовным интрижкам и переживаниям, а также  пристрастием к изысканным вещам  и отчуждением от всего низменного и грубого в стилизованной  и идеализированной форме показывали придворные нравы того времени.

В пасторальных спектаклях создавался светлый мир  отдохновения, в котором изысканный герой мог отдаваться служению своей  даме сердца – пастушке.

Пастораль родилась при дворе в Ферраре. В этом городе были осуществлены первые постановки пастушеских пьес. Среди них можно назвать «Эгле» Дж. Чинтио, написанную в 1545 году, «Жертвоприношение» Агостино Беккари (1554), «Аретуза» Лоллио (1563). Но наибольшая поэтическая сила проявилась в пасторали «Аминта» Торквато Тассо, которую он создал в 1573 году.

Свою пьесу  Тассо назвал по имени главного героя  – пастуха Аминты, который был влюблен в нимфу Сильвию. Аминта на протяжении долгого времени не мог добиться благосклонности девушки, потому что та презирала мужчин и целиком отдала себя служению богине девственности Диане. Произошло множество драматических происшествий, пока Сильвия не покорилась Аминте.