Великие Живописцы Эпохи Возрождения

     В ХIV и ХV вв. Италия была самой передовой  страной Западной Европы, а в ХVI переживала глубокий политический и  экономический кризис. Она потеряла рынки на Востоке, превратилась в арену постоянных войн, была опустошена и разорена. После разгрома Рима Италия оказалась под властью габсбургской монархии. Но прежде чем свершились эти трагические события, страна пережила время общественного подъема, вызванного борьбой итальянских государств против порабощения и стремлением к объединению. В этот период и наступил высший расцвет искусства Возрождения в Италии – Высокий Ренессанс.

     Искусство Высокого Возрождения стало выражением всей сложности и масштабности исторического бытия эпохи. На смену поискам, аналитическому исследованию натуры и окружающего мира пришло синтетическое обобщение, извлекающее из явлений самое их существо, а также уверенное владение всеми приемами и тайнами изображения. «Кватроченто – это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение. Чинквеченто – синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность Раннего Ренессанса»

     В искусстве Высокого Возрождения центральное место безоговорочно занял Человек. 

     Леонардо да Винчи - самая необыкновенная фигура в истории мировой культуры. Это был Homo universale (человек универсальный): умел все и был во всем гениален, к тому же красив, силен, элегантен, обходителен, красноречив. В сфере искусства Леонардо был живописцем, скульптором, рисовальщиком, музыкантом, архитектором, сочинял басни, сонеты, написал "Книгу о живописи". До нас дошло около пятнадцати его картин. Он оставил рисунки машин и механизмов с прообразами экскаватора, токарного станка, самолета, вертолета... В Эрмитаже находятся две картины Леонардо да Винчи: "Мадонна с цветком" (Мадонна Бенуа, 1478) и "Мадонна с младенцем" (Мадонна Литта, 1470-90 гг.).

     Особенности искусства мастеров кватроченто - интерес  к психологическим решениям и  пространственному построению, стремление к лаконичности и обобщению и, если художники ХV в. овладели перспективой, то Леонардо овладел пространством. Персонажи его картин уже располагались не на фоне далекой перспективы, а внутри пространства. Не было разрыва между передним и задним планами, персонажи не "наложены" один на другой, между ними чувствуется воздух. Мягкая, с переходами светотень - знаменитое леонардовское "сфумато".

     Фреска "Тайная вечеря" - удивляет интеллектуальной силой художника, тем как продумана  и разработана композиция произведения. Она написана на торцовой стене трапезной монастыря так, что иллюорное пространство фрески кажется продолжением реального пространства интерьера, Христос и его ученики как бы сидят в той же трапезной, но на возвышении. Центральное положение Христа подчеркнуто тем, что точка схода перспективы совпадает с его головой. Художник поместил Христа в светлом проеме окна, отдалив простенком от апостолов. Новое, не традиционное решение темы дает Леонардо да Винчи: он впервые изображает конфликт, сам процесс драматического события.

     Самое знаменитое произведение художника  и, пожалуй, во всей мировой живописи "Портрет Моны Лизы", супруги  богатого флорентийца Франческо  дель Джокондо. Портрет завораживает и восхищает тем, что в нем, при внешней неподвижности модели передана жизнь души, само ее течение, неуловимо сменяющиеся оттенки мыслей, чувств, ощущений. Леонардо говорил: "Хороший живописец должен писать две главные вещи - человека и представление его души". С "Джокондой" связано зарождение психологического портрета. 

     Рафаэль - гений иного склада. Он не был новатором. Его искусство - синтез достижений предшествующих художников. У Рафаэля человек совершенен, мир пребывает в гармонии. Образ Мадонны особенно близок искусству Рафаэля. Здесь наиболее полно он раскрывает представления свои о благородстве, совершенстве человека, о гармонии внешней и внутренней красоты: "Мадонна Конестабиле", "Мадонна в зелени", "Мадонна дель Грандука", "Мадонна с щегленком", "Мадонна садовница", "Мадонна Альба", "Мадонна в кресле", "Сикстинская Мадонна" (1513-14 гг.). Высокую религиозность художник соединил с высокой человечностью, создав, может быть, самое глубокое и прекрасное воплощение темы материнства. Одухотворенное лицо Мадонны, то, как она держит младенца, выражают и бесконечную любовь и провидение трагической судьбы сына, сознание ее неизбежности, и скорбную готовность принести его в жертву ради людей. Рафаэлю была поручена огромная работа - роспись четырех станц (комнат) в Ватикане (папский дворец).

     Главные фрески станцы - "Диспуты " (апофеоз теологии), "Афинская школа" (апофеоз философии) и "Парнас" (апофеоз искусства) и "Мудрость, Мера и Сила" (олицетворение главных добродетелей правосудия). Рафаэль был прекрасным рисовальщиком, великолепным портретистом, архитектором, археологом, мечтал восстановить Рим в его прежнем величии. В Эрмитаже было выполнено точное повторение росписей лоджии двора Сан Дамазо (Ватиканский дворец) - Лоджии Рафаэля.

     Ватиканские фрески Рафаэля, вместе с Тайной вечерей  Леонардо да Винчи и Сикстинским  потолком Микеланджело - вершина монументальной живописи Возрождения.  

     Величайшим  художником Позднего Возрождения был  Тициан Вечеллио (1476/77 или 1480–1576). В начале 20-х годов XVI в. Он становится самым знаменитым художником Венеции, и слава не покидает его до конца жизни. Кисти Тициана принадлежат творения на мифологические и христианские сюжеты, произведения в жанре портрета. Ему не было равных в композиционной изобретательности, феноменальным было его колористическое дарование.   

     Ранние  произведения Тициана полны радости  жизни («Любовь земная и небесная», «Вакх и Ариадна», «Празднество Венеры»). Одна из самых прославленных картин Тициана – «Лежащая Венера» (1538). В ней художник открывает свой тип красоты. Венера Тициана – прежде всего прекрасная земная женщина. Этой картиной начинается целый ряд полотен, изображающих красоту обнаженного женского тела. К их числу принадлежат четыре варианта «Данаи» (1545–1554). Воспроизводя античный идеал красоты, мастер создает образ, несущий в себе прекрасное земное начало, наполняет его человеческой плотью и радостью бытия.    

     На  протяжении всего творческого пути Тициан работал в жанре парадного портрета и был одним из создателей этого жанра. Его портреты отличает высочайшее мастерство исполнения, благородство колорита, передача внутреннего мира человека, его индивидуальности («Портрет молодого человека с перчаткой», портреты Ипполито Риминальди, Пьетро Аретино, Карла V, папы Павла III).     

     Последние годы жизни Тициана проходят в  условиях усиления католической реакции в Италии, в том числе и в Венеции. В творчестве художника появляются трагические мотивы как результат тревоги разочарований. Он все больше пишет на античные сюжеты («Венера и Адонис», «Юпитер и Антиопа», «Диана и Актеон»). Меняется характер его живописи: светлый, легкий колорит уступает место мощной, бурной живописи, композиция становится более динамичной. По своей одухотворенности, цветовой мощи поздние творения Тициана превосходят всё ранее созданное художником. Таковы «Венера перед зеркалом» (1553), «Кающаяся Мария Магдалина» (1565), «Св. Себастьян» (1570), «Пьета» (1576). Творчество Тициана оказало огромное влияние на живопись следующего столетия. 

     Джорджо Барбарелли да Кастельфранко — его годы жизни 1476-1510. Это итальянский живописец, основоположник искусства Высокого Возрождения.

     До  сих пор неизвестно точно, где родился Джорджоне, но многие ученые сходятся во мнениях, что близ Кастельфранко — незаметного городка. Его единственное сокровище, которым этот городок выделяется, это задумчивая Мадонна кисти Джорджоне, которая и по сей день, украшает надгробие сына одного из известных людей города.

     Современники  художника в его работах находили, какие-то цыганские черты. Джорджоне  был первым, кто превратил простой  фон в реальную среду, которая  помогает зрителям проникнуться картиной. Появились новые персонажи, например: странники, пастухи, музыканты, которые населяют захватывающие пейзажи. Их спокойствие обманчиво, это очень похоже на притихший вулкан. Но самое удивительное в творчестве Джорджоне это его особенный женский тип. Он изображал их горделиво смиренными и сдержанно-страстными.

     Рисование женских образов у Джорджоне  уникально, женщины на его картинах никогда не обращают взор на зрителя, как будто боятся подавить их своими глубокими темными очами. Юдифь обольстительная и нежная, держит свой героический меч с немалыми усилиями, она напоминает библейскую воительницу, которая своей хитростью и уловками уничтожила полководца Олоферна. Ее основным оружием был не меч, а красота и грация.

     С кошачьей грациозностью и гибкостью, властная, со своей загадочной полуулыбкой, которая называется «джокондовская». И отблеск ее улыбки падает на бледное лицо поверженного врага, на котором стояла ее соблазнительная ножка. Она будто дарит поверженному Олоферну свою улыбку, и даже смерть обращается небывалый и сладостный сон. Это было удивительное открытие художника, ведь именно он первый показал в полной мере всевластие чарующей женской слабости.

     Джорджоне прекрасно пел и играл на лютне, это позволило ему приобщиться  к избранному кругу богатых и  знатных молодых патрициев, которые мечтали «всю землю превратить в сад веселья». Вращаясь среди них, Джорджоне полностью посвятил себя искусству, музицированию и любовным утехам. Как отмечал в своих работах исследователь Бернсок «иметь картину у себя дома стало для венецианцев такой же потребностью, как слушать музыку» и, благодаря своим разносторонним талантам и душевной щедрости, Большой Джорджо мог полностью удовлетворять обе эти потребности.

     В своем творчестве Джорджоне часто  писал портреты своих друзей-музыкантов. Такой музицирующий персонаж стал появляться в работах его коллег-художников и даже получили название — «джорджонески». Так, с легкой руки, или точнее кисти, художника — лютиниста, музыка поселилась на полотнах художников венецианского Возрождения.

     К сожалению, до наших дней не дошли джорджоновские импровизации, скорее всего, они плавно вплелись в песни крестьян или венецианских гондольеров. По словам современников, эти мелодии были «просто божественны». Зато живописные мелодии его картин хорошо сохранились, и мы можем наслаждаться ими в полной мере. 

     Ярким примером такой нарисованной музыки является последняя дошедшая до нас  картина Джорджоне «Сельский концерт». Воплощенная мечта художника — счастливые люди на фоне прекрасной природы. Все полотно пронизано солнцем и музыкой, особый, поэтический, прекрасный мир. Слышится тихое журчание воды, льющейся из кувшина, который держит в руках молодая женщина, звон струн так любимого художником инструмента — лютни, протяжные звуки свирели, легкий шелест деревьев. Джорджоне свойственна особая чуткость и тонкость восприятия звуков и мастерство, с которым он может изобразить всю эту полифонию звуков полифонией красок.

     Прекрасный  мужчина, его любили многие женщины  Венеции, но не находя подходящей для  себя, художник создает свою, воплощает  свой идеал в картине «Спящую Венеру». Венера Джорджоне — вся тайна и поэзия художника, он вложил все чувства в создание этой картины. Спящая, она всем своим существом связана с окружающей ее природой. Плавные и чистые линии ее тела похожи на невысокие окрестные холмы. За ее сомкнутыми веками затаился прекрасный и божественный мир. Певучее и идеальное тело Венеры, богини любви, исполнено царственной простоты.

     Прикосновения Джорджоне к самой сущности женственности, сделало «Спящую Венеру» великолепным образом для всех поколений художников. Многие сердца покорила «страшная сила» красоты Венеры. Известнейшие поэты и романтики Европы, признали Джорджо из Кастельфранко своим предтечей. И как настоящий романтик, Джорджоне был бедой, он заразился чумой от своей возлюбленной, которую не решился оставлять из-за своей гордости и сильной любви к ней. Бросив вызов смерти, он сгорел, как позже погибли его наилучшие фрески при пожаре Немецкого подворья. От всех этих фресок остался один небольшой неясный фрагмент. Это был женский силуэт, который подобен нежной тени... 

     Микеланджело  Буонарроти превыше всех искусств ставил скульптуру, хотел быть только скульптором, но волею судьбы стал и живописцем и архитектором, был также рисовальщиком, поэтом, инженером.

     Прожил  долгую (89 лет) и трагическую жизнь, боролся за независимость Флоренции, видел унижение Родины, разгром Рима. Человек свободолюбивый, дерзновенный, он вынужден был служить папам. Микеланджело в одной единственной фигуре был "способен воплотить все добро и все зло человечества". Он стремился показать человека таким, каким он должен быть. Таков его «Давид». Гигантская фигура олицетворяет безграничную мощь свободного человека. Вазари писал, что статуя Микеланджело «…отняла славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских». В 1505 г. папа Юлий II призвал Микеланджело в Рим, для создания своей гробницы. 40 лет жизни Микеланджело отдал этой работе, выполнив 3 статуи.