Послідовники  «останнього з титанів», рухаючи  по шляху ускладнення, узагалі відмовляються  від симетрії в композиції, відкриваючи  зовсім нові можливості стіни. Вона як би позбавляється самої головної своєї риси - надійності і монументальності, зате здобуває небувалу колись пластику і динаміку. Виникають будинку з опуклим, увігнутим чи навіть криволінійним фасадом.

    В архітектурі міських палаців  і заміських резиденцій поширюються опуклі й увігнуті фасади. Ордер стає менш функціональним, чим в епоху Відродження, на перший план виходить декоративність. Зібрані в пучки колони, пілястри, що з'явилися кручені колони, плюс фронтони різних форм, вкомпоновані один в одного (наприклад, лучкові в трикутні), чи розірвані посередені фронтони з картушем додають будинкам надзвичайну пластичну об'ємність і виразність, ефектно виділяють портали. Узагалі пластику завжди переважає у фасадах над тектонікою. Італійські палаццо уражають колосальним ордером над нижнім цокольним поверхом, важкими аттиками, достатком скульптурного декору. Вони мають парадний, святковий вид. В Іспанії особливий декоративний колорит повідомляє палацам суцільно покриваючу стіну, немов пливуче скульптурне оздоблення, що зовсім ховає членування фасаду (так називаний стиль чуррігереск - від імені архітектора X. Чурригера).

    В Франції переважає тип палацу п-утворюючої форми, що складає з  центральної будівлі і бічних ризалітів. Будинок нерозривний  зв'язано з парком, розбитим за ним, і почесним двором (court d'hоnnеur) перед фасадом. Двір відгороджений від вулиці залізними ґратами з позолоттю. Часто такі ґрати самі по собі були чудесними творами мистецтва бронзолитійщиків барокко. Почесні двори мали і готелі-особняки більш інтимного характеру, що одержали поширення в XVII столітті.

    Згодом  заміські замки здобувають усе більш  палацевий вид. Залізні мости  через рови заміняються кам'яні, єднальні будівлі з парками. Завдяки  нововведенню архітектора Ж. А. Мансара, що підвищив дах і додав горищне приміщення функціональність, у заміських палацах, як і в місті, з'являються мансарди. Якщо додати до цьому яскраві дахи, викладені або кольоровою черепицею "у шашечку", або шифером і повиті червоніючим по осені чи виноградом плющем, виходить дуже мальовнича картина. У будівництві міських і заміських особняків Фландрії переважало наслідування італійським палаццо. Портали прикрашалися вигнутими фронтонами, балкони - скульптурою і підтримувалися чи каріатидами атлантами. З Німеччини запозичалися форми трансформованого барочного картуша, що нагадує обрису хвилі, маски, хряща (кнорпельверк - від нем. knorpel- «хрящ» і were –«робота») чи вушної раковини (ормушль). Вони сполучалися із соковитим рослинним скульптурним орнаментом і додавали порталам пишні, виразні обриси.

    В Австрії особняки теж були витримані  в стилі італійських барочних палаців, але нижні поверхи часто  будувалися з гранованих кам'яних блоків (так називаний брильянтовий руст), а верхні декорувалися виразними  ордерними деталями-пілястрами, колонами, арками зі скульптурою.

    Трохи виділялися з загального ряду будівлі  голландського барокко. Багатий  бюргерський будинок тут виглядав значно скромніше, ніж палаци Франції, Австрії і тим більше Італії. Через  дорожнечу землі в Голландії  были поширені лише крихітні садки за будинком. Традиційно високий фронтон підсилював вертикальну витягненость трьох - чотириповерхового будинку. Червона цегла, з якого зводилися будівлі, доповнювали ордерні деталі з білого каменю, що використовувався в обробці.

    Живопис італійського барокко висунула на сцену ряд імен:

    Себастьяно  Річчі. Для його добутків характерно:

    1) міфологічні, біблійні, історичні  сюжети;

    2) ефектне, театральне, помпезне зображення;

    3) обов'язкова присутність архітектурного  тла;

    4) яскравість, контрастність колориту;

    5) динаміка зображення.

    Наприклад: “Сотник перед Христом”.

    Іншим блискучим майстром барокко був  Джованни Батисто Тьеполо - художник найширшого масштабу, чудовий імпровізатор. Його перу належать картини: “Бенкет  Клеопатри”, “Двоє святих”, “Смерть Дидоны”, “Меценат, що представляє імператору Августові вільні мистецтва”.

    До  стилю барокко відноситься творчість  Алессандро Маньяско, але в його добутках чисто барочні риси: динамізм, ефектне зображення, одержали інше фарбування - усі здається побаченим у сні, про яке розповідають з відтінком хворобливої іронії і демонстративного сарказму.

    Видатним  живописцем барокко був Караваджо. Серед його добутків такі, як “Невір'я  Хоми”, “Успение Марії”, “Положення в труну”, “Мандоліністка”, “Покликання апостола Матфея”, “Звертання св. Павла”.

    Величезний  соціальний і духовний підйом, пережитий  Фландрією в період революції, зіграв вирішальну роль у розквіті культури. Не випадково через усе мистецтво  проходить тема стихійної життєвої моці, усевладної, безмежної; чуються відзвуки героїчної епохи. На початку XVII в. відбувається відновлення країни від розрухи. Культова архітектура сприймає риси і форми італійського барокко: декоративне оформлення фасадів, що грають самостійну роль, із застосуванням скульптур, пластичної орнаментації. Наприклад, церква св. Карла Барромея в Антверпені (1614-1621р.), архітектор П.Хейсенс (церква Іль Джезу).

    Скульптура  сполучить у собі народну традицію й італійську пластику барокко (багато майстрів працювали в Італії). Представники: Франсуа Дюкенуа, Лукас Файдхербе...

    У цілому в мистецтві Фландрії була перевага живопису, що визначає шлях розвитку скульптури, архітектури, художньої промисловості. Представники:

    Антоніо ван Дейк (1599-1641). Характерна зовнішня ефектність, барочна патетика, внутрішня експресія, духовна сила, велика реалістичність і вірогідність. Наприклад, “Портрет Ф.Снайдера”.

    Неперевершеним  Майстром епохи став Питер Пауль  Рубенс (1577-1640). Органічно перетворив спадщину італійського Відродження: єдність  світу, життєствердження, прославляння людини як центра світобудови; нової культурної епохи: вищий динамізм, пластичність, різкість, розімкнення композиції, страждання і горе в тематиці, монументальність, декоративність, урочистість; національні традиції: реалізм. З'явився творцем парадного портрета, творцем класичного типу, вівтарного образа. Наприклад: “Полювання на львів”, “Поставлення хреста”, “Персей і Андромеда”, “Вакханалія”...

    Більш тверде, строге втілення одержав стиль  Барокко в Іспанії. На той час  Іспанія переживала свій “Золоте століття” у мистецтві, знаходячись при цьому в економічному і політичному занепад. Це перша країна з закінченою формою абсолютної монархії з панівним класом - земельною аристократією.

    Для мистецтва Іспанії характерна декоративність, примхливість, витонченість форм, дуалізм ідеального і реального, тілесного й аскетичного, накопичення і скнарості, піднесеного і смішного.

    Серед представників:

    Доменико  Теотекапуле (Ель Греко) - художник рубежу XVI-XVII ст. Він був глибоко релігійний, тому в його мистецтві представлені численні варіанти релігійних сюжетів і свят: “Святе сімейство”, “Апостоли Петро і Павло”, “Зішесття святого духу”, “Христос на оліїстій горі”.

    Ель Греко був чудовим портретистом. Завжди зображуване він трактував  як ірреальне, фантастичне, уявлюване. Звідси деформація фігур (елементи готики), граничні колорістічні контрасти з перевагою темних квітів, гра світлотіні, відчуття руху...

    “Портрет  поета Эрсильи-и-Суньиги”, “Портрет кардинала Тавера”, “Портрет невідомого”.

          Але не його картини прикрашали пишний іспанський двір. Серед художників, що працювали при дворі Пилипа II, були

          1. Франческо Сурбаран (1598-1664) - “Отроцтво Богоматері”,  “Дитина Христос”. Головне в  його картинах - відчуття святості, чистоти; просте композиційне  рішення, плавність ліній, щільне колірне рішення, матеріальність, речовинність, багатство колориту, величавість, стриманість, реальність життя, з'єднані з містичністю віри, високою духовністю, емоційною напруженістю.

          2. Хусепе Риберо (1591-1652). Основні сюжети його картин - мучеництво святих, портрети людей, що прожили довге життя. Але його роботи не сентиментальні. Він найбільше не хотів, щоб його моделі викликали жалість. У них - істинно іспанська народна гордість. Наприклад, “Хромоножка”, “Свята Інеса”, “Апостол Як-старший”.

    Здавалося, що іспанський живопис ніколи не вийде  з “стін” храмів. Але це зробив Диего  Веласкес (1599-1660) - чудовий майстер  психологічного портрета, живописець характерів. Його картини відрізняються  багатофігурною складністю композицій, многокадровостью, граничною деталізацією, прекрасним володінням кольором. Веласкес - великий поліфонист живопису.

    “Сніданок”, “Портрет Оливареса “, “Блазень”, “Здача Бреди” (“Коли”), “Прялі”.

    Художником, що завершив “золоте століття”  іспанського живопису, був Бартолелло Мурільо. Він, почасти, продовжив побутову лінію, намічену Веласкесом. “Дівчинка з фруктами”, “Хлопчик із собакою”.

    Але в зрілі роки творчості всі  частіше звертався винятково  до біблійних сюжетів: ”Святе сімейство”, “Втеча в Єгипет”. У цих роботах він виступає як блискучий колорист, майстер композиції. Але як далеко пішов цей живопис від глибоко людських пристрастей кращих іспанських полотнин.

    Якщо  скульптура й архітектура були міцно  зв'язані з німецькою національною традицією, то положення живопису залишалося досить складним. Ослаблення національної традиції є трагічною характерною рисою того часу. Закономірним наслідком цього була орієнтація живописців на інші європейські школи.

    Барокко найбільше яскраво представлено у творчості художника-монументаліста Франца Антона Маульберга. Він пише широко, темпераментно, вільною кистю, насичуючи колорит колірними акордами, що дають могутній декоративний ефект. Він, насамперед, живописець, якого не дуже хвилює психологізм, деталізація в зображенні, але дуже цікавлять колірні плями, що перетворюються в колірну фантасмагорію. Наприклад, “Водохрещення євнуха”. 

 

3.Барокова  музика, театр, драматургія

 

     У музичному мистецтві XVIIв. починається як би з рішучого перелому, з безкомпромісної боротьби проти поліфонії строгого стилю. У цей час було проголошене народження нового стилю - монодії із супроводом, що гнучко випливає за поетичним словом. У результаті, динамічніше стає музична мова, обновляється музичне мистецтво, що породжує нові творчі шукання.

     Нові  історичні умови і соціальна атмосфера, нові риси світогляду сильним образом уплинули на долі і характер музичного мистецтва. Музика відчула на собі напружений, тривожний, хитливий, патетичний дух часу. На порозі нової епохи гостро пролунала вимога драматичної виразності в музиці: флорентійци створили оперу. Саме виникнення опери в Італії відкриває епоху ХVІІ ст. в історії музичного розвитку Західної Європи. Будучи новим синтетичним жанром, вона була покликана втілити ідеал “нового стилю”. Поява даного жанру бути тривале і багатосторонньо підготовлене в художній атмосфері Відродження: захоплення зразками давньогрецької трагедії, пасторальні драми, духовна опера Кавальері, мадригальна комедія (Столітті “Тик-так-струм”), комедія масок, драматичні спектаклі, інтермедії... Видатним оперним композитором був Клаудио Монтеверді, що поглибив драматичну сутність нового жанру, збагатив поліфонічною традицією, засобами музики показав різноманіття людських характерів. В основу його опер покладена драматична мелодія (concitato - схвильований стиль), що сплавляв мовні інтонації, декламацію і вокал. Монтеверді включив в оперу симфонічні епізоди (увертюри), детально розробляв оркестровку, уводив нові технічні прийоми для більшої виразності: тремоло, піццікато. Таким чином, Монтеверді з'явився сміливим новатором, що далеко випередив сучасне йому музичне мистецтво. Його добутку:

     опери “Орфей” 1607р., текст А.Стриджо, “Аріадна” 1608р., текст Рінуччіні, “Коронація Поппеи” 1642р. інтермедії  “Балет невдячних”, “Музичні жарти”, ...

     Із  середини ХVіів. намічається визначена колія розвитку оперного жанру, установлюються типи, різновиди, утворяться школи:

    1) Венеціанська

     Фр. Кували, Марко А.Честі, Фр. Сократти, А. Сартарио, Дж. Лоренцо, Д.Фрески,...

    2) Неаполітанська, на чолі з А.Скарлатті.  У його творчості викристалізувався жанр опери-serio (серйозної опери).

     Параллельно опері розвивається великий вокальний  жанр ораторії, більш камерний кантати. Головним принципом ораторії стає розкриття тільки музичними засобами драматичного змісту. Поступово італійська ораторія витісняє ораторію з латинським текстом. Сольний спів витісняється хоровим. Текст ораторії зближається оперним лібрето. Виявляється прагнення до типізації арій і ансамблів. Досягши зрілості, італійська ораторія проникає в інші країни: Англію, Австрію (Гендель, Гайдн).