Русская живопись

История отечественной культуры - наше духовное богатство. В культуре заключена память народа, через культуру каждое новое поколение, вступая  в жизнь, ощущает себя частью этого  народа.

Культура развивается  непрерывно, и каждое поколение людей  опирается на то, что было создано  предшественниками.

Время и пренебрежение  потомков привели к утрате многих памятников культуры. Но история отечественной  культуры свидетельствует о том, что кроме потерь были и находки, и открытия. Так, спустя много веков  в нашу культуру вернулось “Слово о полку Игореве”, возродилось  духовное значение русской литературы. Так, восстанавливались древнерусские  иконы, открытые под несколькими  слоями поздней живописи. Вновь осваивается  отечественная немарксистская философия, и приходя в нашу культуру литература и искусство русского зарубежья 20 в.

История отечественной культуры не ограничивается национальными рамками. Громадный вклад в русскую  культуру внесли представители других народов, так же как и русские  по происхождению деятели отдавали свои силы и талант культурному развитию народов СССР и других стран.

Русская культура формировалась  как одна из ветвей могучего дерева мировой общечеловеческой культуры. Ее вклад в мировой культурный прогресс бесспорен: это и культурные научные открытия, и шедевры литературы и искусства, и, может быть самое  важное, верность гуманистическим идеалам.

Одна из самых ярких  страниц истории культуры России - живопись первой половины 20 века.

1. На рубеже веков

В истории русской культуры конец XIX - начало XX в. получил название “серебряного века” русской культуры, который начинается “Миром искусства” и заканчивается символизмом. “Мир искусства” - это организация, возникшая  в 1898 г. и объединившая мастеров самой  высокой художественной культуры, художественную элиту России тех времен. В этом объединении участвовали почти  все известные художники - А. Бенуа, К. Сомов, Л. Бакст, Е. Лансере, А. Головин, М. Добужинский, М. Врубель, В. Серов, К. Коровин, И. Левитан, М. Нестеров, Н. Рерих, Б. Кустодиев, К. Петров-Водкин, Ф. Малявин, М. Ларионов, Н. Гончарова и др.

Огромное значение для  формирования “Мира искусств” имела  личность С. Дягилева, мецената и организатора выставок, а впоследствии - импресарио гастролей русского балета и оперы  за границей, так называемых “Русских сезонов”. Благодаря деятельности Дягилева русское искусство получает широкое международное признание. Организованные им “Русские сезоны”  в Париже относятся к числу  этапных событий в истории  отечественной музыки, живописи, оперного и балетного искусства. В 1906 г. парижанам  была представлена выставка “Два века русской живописи и скульптуры”, которая экспонировалась затем  в Берлине и Венеции. Это был  первый акт всеевропейского признания  “Мира искусства”, а также открытия русской живописи XVIII - начала XX в. в  целом для западной критики и  настоящий триумф русского искусства.

Под редакцией Дягилева с 1899 по 1904 г. издавался журнал “Мир искусства”, состоявший из двух отделов: художественного  и литературного. Можно сказать, что “серебряный век” русской  культуры - это век культуры высокого ранга и виртуозности, культуры воспоминания предшествующей отечественной культуры. Русская культура этого времени  представляет собой синтез старой дворянской и разночинной культур. Значительный вклад “Мира искусства” состоит  в организации грандиозной исторической выставки русской живописи за границей - от иконописи до современности.

Рядом с “мирискусниками” виднейшим направлением рубежа века был символизм - многогранное явление, не вмещающееся в рамки “чистой” доктрины.

Конец XIX - начало XX века - важный период в развитии русского искусства, совпавший с тремя революциями - 1905-1907 гг., февральской буржуазно-демократической  и революцией 1917 года, время крушения старого мира. Окружающая жизнь, события  этого необычайного времени определили судьбы искусства: оно претерпело в  своем развитии много сложностей и противоречий. В то время еще  плодотворно работали ведущие мастера  реализма - И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.М. Васнецов, В.Е. Маковский. В 1890-е годы их традиции нашли свое развитие в  ряде произведений молодого поколения  художников-передвижников, например, Абрама Ефимовича Архипова (1862-1930 гг.), творчество которого также связано с жизнью народа, с жизнью крестьян. Его картины  правдивы и просты, ранние - лиричны (“По реке Оке”, 1890; “Обратный”, 1896), в поздних, ярко живописных, живет  буйная жизнерадостность (“Девушка с  кувшином”, 1927; все три в ГТГ). В 1890-е годы Архипов написал картину  “Прачки”, рассказывающую об изнурительном  женском труде.

К молодому поколению передвижников  относятся также Сергей Алексеевич Коровин (1858-1908) и Николай Алексеевич Касаткин (1859-1930). Десять лет трудился Коровин над своей центральной  картиной “На миру” (1893, ГТГ). Он отразил  в ней сложные процессы расслоения крестьянства в современной ему  капитализировавшейся деревне. Важнейшие  стороны жизни России сумел выявить  в своем творчестве и Касаткин. В его изображениях шахтеров, угадывается  та мощная сила, которая в недалеком  будущем разрушит старый мир.

Но в искусстве этого  периода обнаружилась и иная тенденция. Многие художники стремились отыскать в жизни, прежде всего, ее поэтические  стороны, поэтому даже в жанровые картины они включали пейзажи. Часто  обращались и к древнерусской  истории. Эти веяния в искусстве  отчетливо прослеживаются в творчестве таких художников, как А.П. Рябушкин, Б.М. Кустодиев и М.В. Нестеров.

Излюбленным жанром Андрея Петровича  Рябушкина (1861-1904) был исторический жанр, но он писал и картины из современной ему крестьянской жизни. Однако художника привлекали лишь отдельные  стороны народной жизни: обряды, праздники. В них он видел проявление исконно  русского, национального характера (“Московская улица XVII века”, 1896, ГРМ). Большинство персонажей не только для  жанровых, но и для исторических картин были написаны Рябушкиным с  крестьян - художник почти всю свою жизнь провел в деревне. В свои исторические полотна Рябушкин привносил  некоторые характерные черты  древнерусской живописи, как бы подчеркивая  этим историческую достоверность изображений (“Свадебный поезд в Москве (XVII столетие)”, 1901, ГТГ).

Другой крупный художник этого времени - Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) изображает ярмарки  с разноцветными ложками и  грудами пестрых товаров, русские  масленицы с ездой на тройках, сцены из купеческой жизни.

В раннем творчестве Михаила  Васильевича Нестерова наиболее полно раскрылись лирические стороны  его дарования. В его картинах всегда большую роль играл пейзаж: художник стремился найти отрадное в тишине вечно прекрасной природы. Он любил изображать тонкоствольные березки, хрупкие стебельки трав и луговых цветов. Его герои - худенькие отроки - обитатели монастырей, или добрые старички, находящие мир и покой в природе. Глубоким сочувствием овеяны картины, посвященные судьбе русской женщины (“На горах”, 1896, Музей русского искусства, Киев; “Великий постриг”, 1897-1898, ГРМ).

К этому времени относится  творчество пейзажиста и анималиста Алексея Степановича Степанова (1858-1923). Художник искренне любил животных и  безупречно знал не только внешний  вид, но и характер каждого зверя, его навыки и повадки, а также  специфические особенности различных  видов охоты. Лучшие картины художника, посвящены русской природе, проникнуты лиризмом и поэзией - “Журавли летят”(1891), “Лоси” (1889; обе в ГТГ), “Волки” (1910, частное собрание, Москва).

Глубокой лирической поэзией  проникнуто и искусство Виктора  Эльпидифоровича Борисова-Мусатова (1870-1905). Прекрасны и поэтичны его  образы задумчивых женщин - обитательниц староусадебных парков - и вся его  гармоническая, похожая на музыку живопись (“Водоем”, 1902, ГТГ).

Дарование К.А. Коровина одинаково  ярко раскрылось как в станковой  живописи, в первую очередь в пейзаже, так и в театрально-декорационном  искусстве. Очарование коровинского искусства  заключается в его теплоте, солнечности, в умении мастера непосредственно  и живо передавать свои художественные впечатления, в щедрости его палитры, в колорическом богатстве его  живописи (“У балкона”, 1888-1889; “Зимой”, 1894 - обе в ГТГ).

“Мир искусства” во главе  с А.Н. Бенуа и С.П. Дягилевым, оказало  большое влияние на художественную жизнь страны. Деятельность этой группы была очень разносторонней. Художники  вели активную творческую работу, издавали художественный журнал “Мир искусства”, устраивали интересные художественные выставки с участием многих выдающихся мастеров. Мирискусники, как называли художников “Мира искусства”, стремились приобщить своих зрителей и читателей  к достижениям национального  и мирового искусства. Их деятельность способствовали широкому распространению  в русском обществе художественной культуры. Но вместе с тем она  имела и свои минусы. Мирискусники искали в жизни лишь красоту и  осуществление идеалов художника  видели лишь в вечной прелести искусства. Их творчество было лишено боевого  духа и социального анализа, свойственных передвижникам, под знаменем которых  шли самые прогрессивные и  самые революционные художники.

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) по праву считается идеологом  “Мира искусства”. Он был широко образованным человеком и обладал  большими познаниями в области искусства. Он занимался главным образом  графикой и много работал для  театра. Как и его товарищи, Бенуа  разрабатывал в своем творчестве темы из прошлых эпох. Он был поэтом Версаля, его творческая фантазия загоралась, когда он снова и снова посещал  парки и дворцы петербургских  пригородов. В своих исторических композициях, населенных маленькими, словно бы неживыми фигурами людей, он тщательно  и любовно воспроизводил памятники  искусства и отдельные детали быта (“Парад при Петре 1”, 1907, ГРМ).

Ярким представителем “Мира  искусства” был Константин Андреевич  Сомов (1869-1939). Он получил широкую  известность как мастер романтического пейзажа и галантных сцен. Его  обычные герои - словно пришедшие  из далекой старины дамы в высоких  пудренных париках и пышных кринолинах и изысканные томные кавалеры в атласных камзолах. Сомов прекрасно владел рисунком. Особенно это сказалось  в его портретах. Художник создал галерею портретов представителей художественной интеллигенции, в том числе поэтов А.А. Блока и М.А. Кузмина (1907, 1909; оба в ГТГ).

В художественной жизни России начала 20 века значительную роль сыграла  также художественная группировка  “Союз русских художников”. В  нее входили художники К.А. Коровин, А.Е. Архипов, С.А. Виноградов, С.Ю. Жуковский, Л.В, Туржанский, К.Ф. Юон и другие. Главным жанром в творчестве этих художников был пейзаж. Они являлись преемниками пейзажной живописи второй половины 19 века.

В конце 19 века формируется  творчество выдающихся русских художников Ильи Репина (1844-1930) Константина Алексеевича  Коровина (1861-1939), Михаила Александровича Врубеля (1896-1902). В их искусстве с  наибольшей полнотой отразились художественные достижения эпохи. Один из наиболее прославленных  русских художников этого периода  Илья Репин добился славы и  почестей своими картинами на библейские сюжеты и из жизни рабочих.

В конце прошлого века в  русской живописи начинает пробуждаться интерес к натюрморту. Расцвет  натюрморта наступил в 1910-х годах. Характер новых тенденций можно определить, как стремление художников связать  натюрморт - сюжетно и живописно - с окружающей средой. "Мертвую  натуру" выносят на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают  с пейзажем или же, напротив, органически  соединяют с интерьером комнаты. Одно из ранних полотен Коровина “За  чайным столом” прекрасно иллюстрирует эти новые тенденции. Особенно связь  натюрморта с пейзажем прослеживается в творчестве К.А. Коровина и Э. Грабаря. И.Э. Грабарь - художник не только другого  поколения, но и несколько другого  направления, чем К. Коровин, но его  также причисляют к лучшим и типичным представителям русского импрессионизма. Вспоминая свои работы, Грабарь рассказывает, что большинство из них было почти  целиком "увидено" им в реальной бытовой обстановке. Там были созданы "Цветы и фрукты на рояле" (1904, Русский музей), "Сирени и незабудки" (1904, Русский музей). Очень интересны  полотна "Утренний чай" (1904, Национальная галерея, Рим). "За самоваром" (1905, ГТГ). Тесное соединение специфически натюрмортных задач с задачами пленэрной  живописи, наметившееся, как нечто  новое, еще в коровинском полотне "За чайным столом", находит место  в "Дельфиниуме" (1908, Русский музей). Характерно, что даже созданное в  закрытом помещении большое полотно "Неприбранный стол " (1907, ГТГ) кажется  написанным в саду - так много  в нем света и воздуха. Один из наиболее значительных натюрмортов  Грабаря - "Хризантемы" (1905, ГТГ). Здесь  внутренняя объединенность всех предметов, создающая единое настроение и единое эмоциональное состояние, решена с  блестящим мастерством. Художник ставит натюрморты с целью специального анализа цвета, формы, материальности предмета. Об этом свидетельствуют  работы "На синей скатерти", "На голубом узоре" (обе 1907). Натюрморты этого года вообще отмечены разнообразием  и сложностью поставленных задач, поисками новых художественных приемов. Это  не случайно. Все здесь говорит  о близости нового этапа в борьбе за новые художественные формы, которой  проникнута живопись 1900-х годов, натюрморт  становиться одним из ведущих  жанров, ареной творческого эксперимента.

То понимание натюрморта, которое мы находим у Грабаря  и Коровина, отнюдь не было единственным. В числе немногих, прежде всего, следует  назвать П. Боннара, творчество которого времени 1900-х годов можно рассматривать  как заключительную фазу импрессионистического  видения предметного

Мир Врубеля - эпоха в истории  не только русской, но и мировой культуры. Врубель оставил более 200 произведений. Среди них - портреты, картины, декоративные панно, иллюстрации, эскизы театральных занавесей, скульптурные произведения, проекты зданий, поражающие по размаху и широте творческого диапазона. Врубель, вдохновляясь памятниками прошлого, творил во многом по-своему, и нередко творил как равный великим мастерам прошлого. Врубель не придерживался официального церковного канона, и именно поэтому его Моисей своей одухотворенностью, даже самим типом лица с огромными глазами оказался созвучен подобным образам из подлинных произведений византийского искусства. В религиозной композициях Врубеля, как бы возвращается подлинная внутренняя сущность древних прототипов: большое человеческое содержание, эмоциональная выразительность. Если сопоставить изображения Моисея Врубеля с фрагментом древней фрески, найденным в Киеве при раскопках на месте Десятинной церкви Х века, то при этом обнаруживается их внутренняя, духовная близость. Моисей Врубеля не столько библейский пророк, сколько существо, полное затаенной страсти и зарождающегося сомнения. Моисей Врубеля - мятежник в потенции. Именно этим он вызывает ассоциации и с его Демоном, самим своим существованием, бросающим вызов людям. "Демон поверженный" (1902) - самое трагическое произведение Врубеля. И если в раннем холсте мы ощущаем хаос рождения, в котором живет надежда, то в поверженном Демоне царит крушение. Никакое богатство красок, никакие узоры орнаментов не скрывают трагедии сломленной личности, его изломанная фигура, сорвавшаяся с заоблачных высот, уже зримо агонизирует, заражая весь мир вокруг себя фосфоресцирующей красотой последнего заката.

Редчайший дар колориста  проявил Врубель в своей картине "К ночи", созданной в 1900 году. Лирическое откровение пейзажа, как  бы обволакивающего зрителя своим  красочным маревом, особенно впечатляет в "Сирени" 1901 год.

Еще одни художник, чье творчество тесно связано с женским образом. Это Борисов-Мусатов, выгодно возвышающийся  над обозначившейся к началу XX века односторонностью петербургского графического и московского - преимущественно  живописного направлений. Его лучшие картины, такие как “Водоем” (1902), “Призраки” (1903), “Изумрудное ожерелье” (1903-1904), “Реквием” (1905), трудно безоговорочно  причислить к модерну, если понимать под последним искусство с  твердой преднамеренностью определенных стилевых установок. В своих произведениях  художник шел не от “стиля”, а от “настроения”, от желания воплотить  гармонию и красоту природы и  возвышенной женской души.