Тенденции развития современного театра

МЕЛОДРАМА —  пьеса с острой интригой, преувеличенной эмоциональностью, резким противопоставлением  добра и зла, морально-поучительной тенденцией. Возникла в конце XVII в. во Франции, в России — в 20-е гг. XIX в.

МИМ — комедийный жанр в античном народном театре, короткие импровизационные сценки сатирического  и развлекательного характера.

МИСТЕРИЯ —  жанр средневекового западноевропейского  религиозного театра. Мистерии представлялись на площадях городов. Религиозные сцены  в них чередовались с интермедиями.

МОНОДРАМА —  драматическое произведение, исполняемое  одним актером.

МОРАЛИТЕ —  жанр западно-европейского театра XV—XVI вв., назидательная аллегорическая драма, персонажи которой олицетворяли различные добродетели и пороки.

МЮЗИКЛ —  музыкально-сценическое произведение, главным образом комедийного  характера, в котором используются средства эстрадной и бытовой музыки, драматического, хореографического и оперного искусств, жанр сформировался в США в конце XIX в.

ПАРОДИЯ — 1) жанр в театре, на эстраде, сознательная имитация в сатирических, иронических  и юмористических целях индивидуальной манеры, стиля, стереотипов речи и  поведения; 2) искаженное подобие чего-либо.

ПАСТОРАЛЬ —  опера, пантомима или балет, сюжет  которых связан с идеализированным изображением пастушеской жизни.

СОТИ — комедийно-сатирический жанр французского театра XV—XVII вв., разновидность  фарса.

ТРАГЕДИЯ (в переводе с греческого — «песнь козлов») —  вид драмы, проникнутый пафосом  трагического. В античности отображал  непосредственную жизнь персонажей трагических событий, действие преобладало  над рассказом. В эпоху Возрождения  в пьесах было отброшено считавшееся  обязательным единство действия, трагическое  часто соединялось с комическим. В дальнейшем трагедия строго регламентируется: опять преобладает единство действия, места и времени; наблюдается  размежевание комического и трагического. В современном театре трагедия в  чистом виде встречается редко. Основу трагедии составляют острые общественные конфликты, коренные проблемы бытия, столкновения личности с судьбой и обществом. Трагическая коллизия обычно разрешается  гибелью героя.

ТРАГИКОМЕДИЯ  — драматическое произведение, обладающее признаками как комедии, так и  трагедии. В основе ее лежит ощущение относительности существующих критериев  жизни; одно и то же явление драматург  видит и в комическом, и в  трагическом освещении, характерна для XX в.

ФАРС — 1) вид  средневекового западно-европейского народного театра бытового комедий  но-сатирического характера, существовавший в XIV—XVI вв. Близок немецкому фастнахтшпилю, итальянской комедии дель арте и  др.; 2) в театре XIX—XX вв. комедия-водевиль легкого содержания с чисто внешними комическими приемами.

ФЕЕРИЯ —  жанр театральных спектаклей, в которых  для фантастических сцен применяются  постановочные эффекты. Возник в  Италии в XVII вв.

ФЛИАКИ —  народные театральные представления  в Древней Греции, особенно распространенные в III—IV вв. до н.э. в греческих колониях: короткие импровизационные шутки-сценки из повседневной жизни о веселых  похождениях богов и героев. 

Театр Востока 

Для традиционного  театра Востока преемственность  обрядово-ритуальных действ свойственна  в наибольшей степени. Только там  до сего дня бережно сохраняются  многочисленные формы архаичных  традиционных театров – драматического, кукольного, музыкального; причем сохраняются  не как застывшие музейные экспонаты, а как живое художественное течение, имеющее своих многочисленных поклонников. 

Это одинаково  справедливо для символического, семантически нагруженного, традиционного  театра Индии (как его народной, так  и придворно-аристократической линий); театра Японии (особенно Ноо, Кабуки, театра кукол Дзёрури); театра Китая (в котором  традиционно сильны музыкальная, вокальная  и танцевальная линии). К театрам  этого типа примыкают все формы  индонезийского культового театра Ваянг: ваянг-кулит (театр теней); ваянг-голек (театр объемных кукол); ваянг-топенг (театр масок); ваянг-оранг (театр  живого актера) и мн. др. Все эти  формы сохранены сегодня в  живом контексте культуры.  

КАБУКИ. Сцена  из спектакля 

При всем разнообразии форм и видов театра Востока (к  ним относятся также мистериальный  тибетский театр Цам; балийский  мимико-пластический театр – о  нем как об откровении писал Антонен  Арто; вьетнамский театр Туонг, и  мн. др.), все они, несомненно, обладают некоторыми общими чертами. В первую очередь это высокая степень  семантической насыщенности всех его  элементов, а следовательно –  условности изобразительных средств. В определенном смысле этот театр  всегда был адресован искушенному, «посвященному» зрителю, способному считывать  сложный символический код пластики, жестикуляции, мимики. В этом сохраняются  традиции ритуальных действ – диалога  с богами. На такой путь развития театра и сохранения его традиционных форм, несомненно, оказал благотворное влияние его традиционно высокий  общественный статус: занятия театром  на Востоке всегда были уважаемым  и почтенным делом. Сакральность театрального действия помогала сохранять  его близость к религиозным ритуалам. Во многом эти особенности театра Востока определялись его развитием  под эгидой и в рамках буддизма (театр юго-восточных цивилизаций  – и под влиянием индуизма). 
 

Театр Африки 

По сходному пути шло развитие традиционного  театрального искусства в Африке. Сохранившиеся в незыблемости старинные  религиозные верования и древние  анимистические культы обусловили и  сохранение традиционных ритуальных представлений, насыщенных танцами, пластическими  действами, песнями, барабанными ритмами  маримбы и тамтамов. Эти традиционные представления проходят на открытом воздухе, и приурочены к различным  знаковым событиям – сбору урожая, окончанию полевых работ, удачной  охоте, примирению племен, рождению ребенка  и т.д. У африканских народностей, относящихся к мусульманской  конфессии (Южная Нигерия и др.), широко развит театр марионеток, который, наряду с площадными представлениями  импровизаторов-масхарабозов, искусством пантомимы и представлениями  масок, является традиционным для многих мусульманских стран. 

Театр Европы 

Древняя Греция 

Греки изображали лесных богов узников Диониса - сатиров.  Для достоверности они облачались в козлиные шкуры и маски, а для пущей убедительности мазали лицо винной гущей. Ряженные разыгрывали в лицах сценки из мифов о Дионисе – это и были первые театральные представления. Сцены из этих представлений сохранились до наших дней в произведениях искусства Древней Греции. Представления очень полюбились древним грекам. Позже поэты стали сочинять для театра пьесы, а строители создавать специальные здания для представлений. Такие здания появились почти во всех городах Греции. Знаменитые греческие театры располагались под открытым небом на склонах холмов и вмещали тысячи зрителей.  

Так выглядит знаменитый театр Диониса в Афинах 
 

Чтобы сделать  посещение театра доступным для  простолюдинов

правительство в Афинах выдавало им деньги для  приобретения входных билетов. Участники  представлений были только мужчины, они одевали женские и мужские  маски и специальную обувь  с толстой подошвой, чтобы казаться ростом выше. Меняя маски и костюмы, они могли играть низких королей в одном спектакле.

В Греческом  театре было два вида представлений  – трагедия и комедия. В трагедию вписывались герои мифов, изображались их подвиги, страдания, часто - гибель.  Действующими лицами комедии, кроме  героев мифов, были известные современники зрителей. Их присутствие подчеркивало веселое и насмешливое содержание. 

К театральным  представлениям готовились очень тщательно: они устраивались всего несколько  раз в году. По утрам, в дни весеннего  праздника великого Дионисия, афиняне  спешили в театр. Чтобы быть поближе  к искусству, они с ночи занимали места поближе к орхестре. Одно представление следовало за другим, и так весь день, поэтому зрители  запасались узелками с едой и питьем.

На весенних праздниках великих дионисий поэты  и актеры не только радовали народ  своим искусством, но и состязались  между собой в таланте и  мастерстве. Эти театрализованные представления  стали обязательной частью государственных  праздников. Выбором постановок занимались непосредственно городские власти. По окончанию показа соревнования судьи  определяли лучшие постановки и награждали победителей.

Маски были неотъемлемой частью представлений. Маски для  актеров изготавливались преимущественно  из холста, которому с помощью гипса  придавалась нужная форма. Потом  он раскрашивались, делались прорези  для глаз, рта, а сверху крепился парик. Трудно переоценить значение маски в античном театре. Маски  первоначально имели культовое  значение, но в театре они были необходимы не потому, что женские роли исполняли  мужчины, а еще потому, что размеры греческого театра были огромными, вследствие чего живая мимика лица была совершенно не видна.

Постановки Эсхила, Софокла и  Еврипида собирали огромное количество зрителей, театр пользовался невероятным успехом. Он заставлял зрителей смеяться и плакать, сопереживать, восхищаться и мечтать, а это значит было и продолжение. 

Средневековье 

После падения  Римской империи древняя античная цивилизация была практически стерта с лица земли. Вместе с цивилизацией исчезли и античные театры. Место  культуры заняла религия. Но театральное  действо стало зарождаться в  обрядовых играх. В этих играх  изображалась борьба зимы с летом. Эта темы была основной на майских играх, распространенных во всех странах Западной Европы.

В средневековой  Швейцарии и Баварии борьбу зимы и весны изображали два деревенских  парня. Один из них был в шубе, другой в рубахе.

Церковь, осуждавшая бесовские карнавалы и маскарады, сама способствовала укреплению театра в жизни европейцев. Она разрешала показывать театрализованные диалоги между библейскими персонажами. Так зарождалась литургическая драма, но постепенно в нее стали проникать народные, комические и бытовые элементы.  В 1210 году Папа Римский Иннокентий III издал указ о запрещении показа литургических драм в храмах, до тех пор показ театрализованных евангельских эпизодах был вынесен на паперть – это была первая форма перехода от религиозного театра к светскому.

В 1381 году в Клеве  возникло особое общество которое называлось Орден дураков. Такие дурацкие общества возникали под влиянием духа маскарада, они пародировали церковные обряды. К XV веку дурацкие общества распространились по всей Европе.

В средние века из шутовских организаций родились новые сценические формы  - фарс и сати (от французского  - глупость). Центром всех этих театральных представлений, которые буквально обрушивались на средневекового горожанина  являлась мистерия, которая устраивалась в ярмарочные дни.  Начиналась ярмарка большим утренним молебном и торжественных шествием всех жителей города.  На столбу несли огромное чучело дьявола, на повозках показывали библейские сценки, огромный медведь играл на клавесине, Святой Августин вышагивал на огромных ходулях. Все это шествовало на площадь, где начиналось  представление мистерии.

В Эпоху Возрождения  театр приблизился к своему классическому  виду. Именно тогда интерес к культуре античности пробудил интерес к античному  театру. В середине XVI века в Италии, впервые в Европе, на сцену поднялись  актеры профессионалы, и были разработаны  принципы профессионального сценического театра. Возрождены трагедия, комедия, пастораль. Создана Опера. Построены первые театральные здания.

Отсчет Английского  театра Возрождения можно вести  от любительских студенческих постановок Оксфорда и Кембриджа, где в конце XV – начале XVI  веков ставили спектакли на латинском языке. Вершиной Английского театра Возрождения стало творчество Уильяма Шекспира. Во времена Шекспира театр считался развлечением низкого рода, хотя актеров жаловали при дворе и приглашали туда давать представления. Драма не считалась высоким искусством, ее авторы не пользовались уважением.

Могущественные  люди Эпохи Возрождения старались  запечатлеть себя на века в мраморе, увековечить свое имя в поражениях и победах. Они и не подозревали, что бессмертными их сделает искусство, которое они так презирали. И не лучше ли сказать словами Гамлета, главного героя главной трагедии великого Шекспира – "Почтеннейший, посмотрите, чтоб об актерах хорошо позаботились. Вы слышите, пообходительнее с ними, потому что они – краткий обзор нашего времени. Лучше иметь скверную надпись на гробнице, нежели дурной их отзыв при жизни". И если театр – это краткий обзор времени, то это значит только одно, что было и продолжение... 

Русский театр 

Русский театр  зародился в глубокой древности. Его истоки уходят в народное творчество - обряды, праздники и игрища, которые пользовались такими средствами выразительности, как диалог, пляски, лицедейство и музыка. Такие игрища прививали вкус к драматическому искусству. Сам термин "театр" вошел в русский словарь лишь в XVIII веке. Раньше, в XVII, бытовал термин "потеха", а в конце XVII – "комедия". Придворный русский театр появился в Москве при царе Алексее Михайловиче. Тишайший царь любил развлечения, а придворная знать очень интересовалась западной культурой, поэтому первые спектакли ставили и разыгрывали иноземцы. Позже, в принудительном порядке стали привлекать и обучать русских отроков. Жалованье им платили нерегулярно, но, однако, не скупились на декорации и костюмы. Спектакли отличались большой пышностью и иногда сопровождались игрой на музыкальных инструментах и танцами. После смерти царя Алексея Михайловича придворный театр был закрыт. Представления возобновились только при Петре I. В 1702 году был создан публичный театр, рассчитанный на массовую публику. Специально для него в Москве на Красной площади было выстроено здание -  "Комедиальная храмина", где проходили спектакли немецкой труппы И. Х. Кунста. В репертуаре были иностранные пьесы, которые успеха у публики не имели. Театр прекратил свое существование в 1706 году. Первый постоянные публичный театр в России был основан по указу императрицы Елизаветы Петровны в 1756 году. Первоначально он назывался "Русский  для представления трагедий и комедий театр". К тому времени в Ярославле уже был создан постоянно действующий театр. Его основателем был Федор Волков. Вскоре про ярославские комедии стало известно при дворе императрицы. Елизавета Петровна специальным указом вызвала Волкова в Петербург, чтобы тот возглавил её театр. С 1759 года театр получил статус придворного, а с 1832 - он начал  называться Александринским.