Еволюція розвитку акторського мистецтва

    План 

    Вступ

    1 Еволюція  розвитку акторського мистецтва

    1.1 Акторське мистецтво Стародавній Греції

    1.2 Акторське мистецтво Стародавнього Риму

    1.3 Акторське мистецтво Середньовіччя

    1.4 Акторське мистецтво епохи Відродження

    1.5 Акторське мистецтво епохи Просвітництва

    1.6 Акторське мистецтво XX ст.

1.7 Акторське  мистецтво XXІ ст.

Висновки

    Перелік використаної літератури 
 
 
 

    Вступ

    Акторське мистецтво, мистецтво театральної гри, створення сценічних образів. Художня специфіка театру — віддзеркалення життя у формі безпосередній драматичної дії, що відбувається перед глядачами, — може здійснюватися лише за допомогою актора.

Мета  актора - впливати на глядача, викликати у нього у відповідь реакцію. Виступ перед глядачем є найважливішим і завершуючим актом втілення ролі, і кожен спектакль вимагає творчого відтворення цього процесу. 

    В лабораторній роботі розглядається  еволюція розвитку акторського мистецтва,від  його зародження із Стародавньої Греції,Стародавнього Риму та епох Середньовіччя, Відродження, Просвітництва, XX ст., та до XІ ст. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

    1 Еволюція розвитку  акторського мистецтва 

         Акторська (сценічне) мистецтво стоїть у ряду найдавніших, одним з його джерел являлися релігійні обряди. Розвинені форми сценічного мистецтва, з діалогами і зачатками акторської техніки, з'явилися в стародавні Греції. На ранніх етапах розвитку драми як актор зазвичай виступав сам автор. З давніх цивілізацій найбільш цікаві і досконалі форми драматичного мистецтва дала Греція. 

    1.1 Акторське мистецтво  Стародавній Греції 

    У Стародавній Греції (Афінах), починаючи  з кінця VI ст. до н. е., щорічно ставилися  трагедії, комедії, сатиричні драми. Основою подібних видовищ були культові обряди на честь грецького бога виноградарства й виноробства Діоніса. 
Рання давньогрецька драма була тісно пов'язана з ритуальними танцями і релігією. Акторові призначалися жрецькі почесті, він одягався в ритуальне вбрання, прийняте на святах на честь бога Діоніса, - довгий, з важкими складками хітон, повністю приховував тіло. Він також одягав маску і взуття на дуже високій підошві (котурни). При упокоренні ознак зовнішньої індивідуальності величезне значення набувало мистецтво декламації, актор отримував можливість грати в одній п'єсі кілька ролей, змінюючи маски. Іноді, зображуючи екстатичний стан або запаморочення, акторові доводилося виконувати шалені танці, але зазвичай рухи тіла в трагедії зводилися до мінімуму. Знаменитими драматичними акторами 5 ст. до н.е. були Клеандр і Тлеполем, однак про їх сценічної техніці не залишилося ніяких свідоцтв. 
        Комічні актори того часу також надягали маски, але взувалися в сандалі, носили коротку одяг, спереду прикріплювався величезний фалос. Рухалися вони перебільшено жваво й розмашисто. До 4 ст. до н.е. рівень драматургії впав, що призвело до підвищення значущості актора, він індивідуалізує маску і навіть пристосовує до себе текст п'єси. До 3 ст. до н.е. манера виконання як в комедії, так і в трагедії стає більш життєвою, природною і менше скутою, особливо в так званих «Нових комедіях», що вирізнялася надзвичайною різноманітністю і життєподібностю масок. 
 

    1.2Акторське мистецтво Стародавнього Риму 

    Римський  театр (240 р. до н. е.) бере початок від  свят урожаю, які висвітлюються у  фесценнінах (пісні-діалоги), сатурнах (побутові й комічні сцени) і ателланах (одноактна імпровізована фольклорна п'єса).

    Давньоримська драма, в основному відштовхуючись в своєму розвитку від пізніх грецьких зразків, також часто втрачала культове значення і служила головним чином  розважальним видовищем; актори набиралися, як правило, з рабів. До початку 1 ст. до н.е. римляни не використовували  масок і тому могли удосконалювати свою міміку. Найбільш відомим актором-трагіком був Клодій Езоп, а коміком - Росцій. Потім в наслідування грецькому театральному стилю прийшли довгі одягу і маски, але одягу більш вправні та маски - більш реалістичні. Властивий римлянам «культ особистості» заохочував, висловлюючись сучасною мовою, «систему зірок». Актори стали спеціалізуватися в певних амплуа - жінки, боги, юнаки, парасіти, - причому кожному покладалася своя виразна маска, а типізація підкріплювалася реалістичними промовою і жестами. Майстри натуралістичної комедії, римляни розробили відповідні костюми. Крім масок вони використовували м'які сандалії, що стали символом комедії.

    Витоки римського театру і драма сходять, як і в Греції, до сільських свят збору врожаю. Ще у віддалені часи, тоді Рим являв собою невелику громаду Лаціуму, по селах справлялися свята у зв'язку із закінченням жнив. На цих святах співали веселі грубуваті пісні, так звані фесценніни. Як і в Греції, зазвичай виступали при цьому два полухорія, які обмінювалися один з одним жартами і глузуванням часом дошкульного змісту. Зародившись ще при родовому ладі, фесценніни існували і в наступні століття, і в них, за свідченням письменника часів серпня Горація, знаходила відображення і соціальна боротьба між патриціями і плебеями. Горацій каже, що фесценнінскіе насмішки не шкодували і знаті, яка і постаралася їх приборкати - було встановлено суворе покарання всякому, хто буде засуджувати іншого в злісних віршах. 
        У 1 в. н.е. завойовує популярність мім. Реалістична харàктерная сценка побутового змісту виконувалася в повсякденному одязі і зазвичай в гримі замість масок, рясніла непристойними жартами і рухами тіла. Вперше на сцену були допущені жінки. Найбільший артист міма Норбана Сорекс мав власну трупу, що включала і жінок.          Останнім драматичним жанром, що з'явилися в стародавньому Римі, став пантомім - уявлення з танцями і грою без слів. Актор-декламатор виспівував або читав сцени зі знаменитих творів, а пантомімісти представляв їх жестами та пластикою. 
До 6 ст. професійний театр в Римі повністю зникає; драматичні вистави вироджуються в примітивне дійство. Серед причин можна назвати важкі наслідки варварських набігів, а також цензуру розважальних видовищ, введену імператором Юстиніаном. У театральну культуру Середньовіччя і Відродження сценічне мистецтво стародавнього Риму передалося через фольклорну традицію, народні гуляння і нерегулярне приватне заступництво акторам, мімам і танцюристам - любителям або напівпрофесіоналами. 
 
      З падінням Римської імперії та занепадом виконавського професіоналізму з'явилося безліч лицедіїв-любителів - жонглерів, акробатів, менестрелів і мімів, -які блукали по європейським містам з сольними виставами. 
 

    1.3 Акторське мистецтво Середньовіччя 

    Містерії, нова форма драми, що поширена по всій Західній Європі в середні віки, розвинулися з католицької літургії та пастирських настанов. Спочатку виконавцями були духовні особи і півчі, а дійство, що ілюструє епізод з Біблії або просто супроводжуючи месу, відбувалося біля вівтаря або в нефі церкви. Три події християнської історії становили її композиційний центр: народження, смерть і воскресіння Христа. Навколо цих подій розгорталося багато інших євангелійних епізодів (тайна вечеря, зцілення хворих і т. д.).  У міру становлення жанру містерія сприйняла мирські і фарсові елементи. З часом містерії були виведені з церкви і перейшли під опіку ремісничих цехів, їх стали виконувати на спеціальних платформах, часто пересувних. 
       Пізніше з'явилися мораліте, раціонально вибудувані повчальні п'єси, в яких виступали персоніфіковані Добро і Зло. У міру впровадження в мораліте елементів грубої коміки жанр деградував і його комічні риси і дидактику перейняли палацові інтерлюдії, що представляли собою суміш світських і класичних елементів і які поширені на початку правління Тюдорів. До цього часу в Англії і на материку вже існували невеликі мандрівні акторські групи, з яких бере початок єлизаветинський театр і розряд акторів

професіоналів. 

    1.4 Акторське мистецтво епохи Відродження 

    Епоха Відродження відкриває нову сторінку у розвитку мистецтва театру, розвій якого пов'язаний з культурами трьох  країн Західної Європи: Італії, Іспанії  та Англії. 
До 16 ст. релігійна драма в Європі втратила свої позиції. Перші гуманісти сприяли читанню та постановок латинських п'єс у школах, світські п'єси писалися рідною мовою. В Англії, яка зазнала сильний вплив давньоримської драми, особливо комедій Плавта і Теренція і трагедій Сенеки, з'явилася плеяда поетів-драматургів - К.Марло, У. Шекспір, Б.Джонсон. У 1576 в Лондоні зводяться перші публічні театри, але поки що поза юрисдикцією міської влади.

    До  цього подання давалися в заїжджих дворах, банкетних залах, палацах, шкільних каплицях, ратушах і т.п., як в приміщеннях, так і під відкритим небом. З появою постійних приміщень  акторська гра стає професією, між  трупами розгортається конкурентна  боротьба, і театри знаходять визнання, широку підтримку і фінансову  самостійність.

    Мистецтво акторів-елизаветинцев виростало на досягненнях поезії і драми англійського Відродження. Звідси надзвичайно умовна і риторична манера виконання. Вимоги до сценічного мистецтва того часу блискуче викладені у вказівках Гамлета (Гамлет, акт III, сц. 2), які він дає акторам. Кращими трагиками вважалися Е.Аллейн і Р.Бербедж, коміками - Р.Тарлтон і У.Кемп. 
        Для палацових маскарадів Якова I И.Джонс розробив вправні декорації і сценічне обладнання, а Джонсон писав для знатних дам і кавалерів аматорські ролі міфологічних персонажів. Однак ці палацові забави, т.зв. «Маски», не надали серйозного впливу на народну англійську драму, яка процвітала аж до закриття пуританами публічних театрів в 1642. Традиція акторського професіоналізму відродилася лише після Реставрації. Єлизаветинському театру була властива велика ступінь умовності. Актори завжди виходили в сучасних костюмах, до якої б історичної епохи ні ставилося дію п'єси. Текст писався віршами і тому урочисто декламували, що різко розводило сценічний діалог і повсякденну мову. Виконання жіночих ролей хлопчиками знижувало правдоподібність любовних сцен, перетворюючи їх на піднесені словопренія. Майже позбавлена ​​реквізиту сцена змушувала акторів весь час бути на ногах і ходити по сцені. Нарешті, той факт, що вистави давалися днем ​​під відкритим небом, ставив поетичному тексту робити вказівки на місце дії, час доби, пору року і рік. 
         Акторам-елизаветинцев не було чуже і мистецтво імпровізації, особливо комедіантам кшталт Кемпа. У тому ж 16 в. в Італії з'являється театр, який зовсім відмовився від сценарію і покладався виключно на здатність акторів до експромту. Це уявлення, відоме як «комедія дель'арте», багато в чому відштовхувалася від традицій мімів та менестрелів, що налічували вже багато століть. Це була вульгарна, «низька» комедія, і для її подання потрібні тільки поміст, актори і глядачі. Актори дотримувалися лише загальної лінії сюжету і імпровізували по ходу дії. Об'єднуючи в одній особі міма, акробата, танцюриста, музиканта і комедіанта, вони вносили в уявлення новизну і цікавість, примушуючи працювати уяву. Актори виступали в масках і традиційних костюмах і роз'їжджали від міста до міста організованими трупами. Один з таких колективів, «Джелозі», приваблював в кінці 16 в. увагу багатьох мандрівників. Зрештою комічні положення та гостроти приїлися, але, перш ніж виродитися, комедія дель'арте встигла вплинути на драму і балет Італії, Франції, Іспанії та Англії. Див також комедії дель арте. 
         До кінця 17 ст. в англійському театрі мали місце нововведення, що відбилися і на виконавському мистецтві: виникли закриті театри, з'явилися декорації і штучне освітлення, на сцену були допущені жінки. Але театру Реставрації були ще властиві безліч умовностей і стилізована манера виконання, будь то урочистий вірш героїчної п'єси або недолуга сценка з витонченою сатиричної комедії. Видатні актори того періоду - Т.Беттертон і Нелл Гвін. 
       У Франції акторська гра в 17 в. також не відрізнялася особливою реалістичністю, багато в чому завдяки пануванню поетики класицизму, чиї жорсткі правила дорівнювали на давньогрецьку трагедію. Рядки Корнеля, Мольєра і Расіна декламувалися в манері, виконаної благородства і величі, рухи і жести були розраховані скупими, актори зверталися не стільки один до одного, скільки до зорового залу. 

    1.5  Акторське мистецтво епохи Просвітництва 

    Осмислення  акторської гри як мистецтва починається  лише в 18 в. Д.Гаррік і Д.Дідро задалися питанням, чи повинен актор сам відчувати душевні стани, які зображує, або ж треба за допомогою певних прийомів вміти пробудити в глядачах ці почуття. Втім, подібні теоретичні суперечки мало впливали на саму гру, і в 19 в. переважала «романтична», тобто афектована, пишномовно манера виконання: ставилися тоді здебільшого мелодрами, що давали виконавцю можливість похизуватися декламацією і пластикою. Цього спокуси не уникли навіть великі - Рашель, Сара Сіддонс, У.Ч.Макріді, кіни і Кембло, Г.Ірвінг і Б.Трі. 
 
      Лише до кінця 19 ст. з'являються тенденції реалістичної манери акторської гри. Вперше вони проявилися в масовках вистав Мейнінгенського театру, поставлених Георгом II, герцогом Саксен-Мейнінгенського, одним з перших великих постановників сучасності. Однак «реалізм» цього режисера-диктатора сумнівний, оскільки він маніпулював акторами, немов маріонетками. Під враженням від вистав Мейнінгенського театру К.Станіславський почав розробляти власні прийоми ансамблевої гри, що призвело його до створення такої виконавської системи, при якій актор, спираючись на власний досвід, домагався перевтілення в створюваний образ. Система Станіславського вплинула на сучасне сценічне мистецтво в усьому світі, а відкриття в області психоаналізу дозволили акторові глибше проникати в душевний світ свого персонажа. 

    1.6 Акторське мистецтво XX ст.

    Театральне  мистецтво Західної Європи XX ст. цікаве і своїми відверто формалістичними  пошуками, що велися у межах експресіонізму та сюрреалізму.

    Експресіоністичний  напрям у театральному мистецтві 20-х  років був найяскравіше представлений  у творчості німецьких драматургів  і режисерів Е. Піскатора та М. Рейнхардта. У своїх спектаклях вони відтворювали атмосферу «експресіоністичної напруги», використовуючи для цього «гру світла та тіні», що давало змогу підмінити звичайні декорації уявними, вносили значні корективи у розробку композиційної побудови спектаклю, в прийоми акторської гри тощо.

    Принципи  сюрреалізму мали значний вплив  на творчість відомого французького драматурга та режисера А. Арто, який намагався створити «театр жорстокості». У своїх спектаклях він в мтворював сни, тяжіння до злочинів тощо, намагаючись таким чином показати, що людиною керує позасвідома сфера її психіки, яка і визначає сутність людської особистості. Пошуки Арто мали великий вплив на розвиток світового театрального мистецтва: на творчість С. Беккета та Е. Іонеско, а також на художні експерименти сучасних театральних режисерів, зокрема А. Васильєва.

    1.7 Акторське мистецтво  XXІ ст.

    Ситуація, що сьогодні склалася у театральному мистецтві України, ототожнюється  з діяльністю провідних стаціонарних театрів країни, а також з творчими пошуками театрів-студій, які є важливою складовою сучасного театрального руху. Мета цих художніх експериментів полягає у необхідності створити цілісну модель українського театрального процесу кінця XX ст.

    Сучасна епоха ознаменувалась значними змінами  цивілізаційного характеру, поєднуючи  в собі динамізм та глобальність масштабів. Ці зміни не тільки вплинули на всі  соціальні процеси сучасного  суспільства, а й сприяли сутнісним  трансформаціям у сфері театрального мистецтва.

    У погоні за глядачем сьогоднішній театр  розвивається в напрямку пошуку підкреслено  видовищної форми. Це досягається яскравою сценографією, епатажною грою акторів, театр стає більш експериментальним.

    Сучасне театральне мистецтво демонструє стремління до синтезу. «Продовжуються експерименти із поєднанням у рамках однієї вистави  різних за жанром та стилем текстів, підкреслене  зіткнення різних, різко відмінних  жанрово-стильових «блоків» [2, 920]. В  одній виставі можуть співіснувати прийоми театрального видовища та мультиплікації, принципи майданного театру та лазерного  шоу. А факт злиття комп'ютерних технологій заслуговує окремої уваги, оскільки використання віртуальної реальності також привносить у театральне мистецтво  певні новації. Сьогодні віртуальна реальність пропонує можливість додати до арсеналу засобів нові художні  засоби. Існує три варіанти використання віртуальної реальності в театрі: проекція сцен на екран, який стає «другою  сценою», віртуальність декорацій  та участь в театральній виставі  поряд з реальними акторами віртуальних  героїв. Театр - це інструмент для виробництва  простору-часу, протилежного реальному, емпіричному, та - одночасно - сполученого, суміжного з ним. Так і віртуальна реальність за допомогою тримірних  графіки та звуку створюють простір, майже реальний для користувача. Театр і віртуальну реальність поєднує  така особливість як ефект занурення  та інтерактивність. Сьогодні вимоги в інтерактивності у глядачів зросли. На нашу думку, така вимогливість формується саме завдяки високому рівню комп'ютеризації суспільства.

    Використання  комп'ютерних технологій в театральних  виставах вимагають специфічних  текстів. Нашарування смислів вирішується  поліваріантністю засобів. Але в той же час, звертаючись до віртуальної реальності театр відображує стан сучасного суспільства, в якому більшість реальних речей замінено знаками. Безумовно, вплив віртуальної реальності на театральне мистецтво не обмежується лише технічним втручанням. Мова йде про зміну самої сутності мистецтва в епоху новітніх медіа. Коли мистецтво, самобутньою рисою якого є гра актора, реальної людини, тут і зараз, дозволяє собі замінити деякі компоненти сценічного ансамблю екранною проекцією, відцифрованим зображенням, що свідчить, напевно, про проникнення духу знеособлювання, уніфікованості в театральне мистецтво. Воно стає привабливим для масового глядача, але втрачає при цьому свою ауру, перетворюючись з театру в медіа-театр, в віртуальний театр. 
         Науковий підхід торкнувся і інших аспектів сценічної дії. Костюми і декорації виготовляються відповідно до історичних даних, меблі нерідко запозичується з музеїв. Сучасне освітлювальне обладнання звело нанівець необхідність в надмірному гримі; голос і мова наблизилися до розмовної.