Современное искусство Германии

Тольяттинский Государственный Университет

Реферат

по теме: «Современное искусство Германии»

Содержание:

Ансельм Кифер

Гео́рг Ба́зелиц

Йенс Гессе

Маттиас Вайшер

Ульрих Ламсфусс

Франц Аккерман

Ансельм Кифер

Известность пришла к Киферу когда в Западной Германии в постреволюционном 1969-м увидел свет его цикл фотографий "Оккупации", запечатлевших автора в различных уголках Франции, Италии и Швейцарии, с рукой, вскинутой в гитлеровском приветствии (за такие шутки в Германии тогда вполне можно было схлопотать в участок). Лейтмотив творчества Кифера   – разрушительное влияние прошлого на настоящее; критическая полемика с официальной германской историографией и тесная связь искусства и политики.

Ансельм Кифер - немецкий художник, возродивший историческую картину на базе постмодернизма. Особое влияние на его творчество оказал Й.Бойс.

Родился художник в Донауэшинге 8 марта 1945г. в семье школьного учителя.

В 1965г. поступил во Фрайбургский университет, где изучал право, романские языки и литературу, но уже через год перешел на факультет искусств. Продолжил он художественное образование в Карлсруэ.

Семья Кифера жила при нацизме, как и миллионы других семей. Отец преподавал историю искусства. На фронте не был. Люди продолжали жить, занимались своими делами. Но пришло время и стало понятно, что каждый - часть происходящего, вне зависимости от доли участия. Каждый отвечает за все. И тогда художник вскинул руку, принимая на себя все. Его "живопись выжженной земли" также стала родом знахарской терапии, врачующей и немецкое искусство, скомпрометированное верной службой нацистской идеологии, и самый немецкий дух, скомпрометированный теми же обстоятельствами куда сильнее.

Для выражения этих духовных исканий Кифер использует наиболее общие и глубинные символы немецкого духа, начиная от Нибелунгов до Гитлера, мифы о великой миссии германского народа, особом пути Германии, великом вожде и т. п. До сих пор его творчество вызывает широкие общественные дискуссии.

Ансельм Кифер не просто взялся за тему нацизма, в ФРГ тогда практически табуированную, он вернул на пьедесталы изваяния старых немецких богов, мистиков-романтиков, Вагнера и Ницше,— тех, кого вульгарное историческое сознание обвиняло в случившейся катастрофе. И если бы второй киферовской темой, идущей контрапунктом к первой, как голоса в фуге, не стал холокост, сам художник вряд ли бы спасся от обвинений в симпатиях к нацизму. Кифер, филолог по образованию и книгочей по призванию, эту свою возрожденную живопись, обожженную огнем и промытую дождем (в прямом смысле: красноватый пигмент на его холстах может оказаться обыкновенной ржавчиной), мыслит этакой книгой культурной памяти, из которой никто не вправе вырывать страницы.

Книга имеет к творчеству художника самое прямое отношение. Во многих своих знаменитых инсталляциях он использовал книгу как объект. Самая известная из них – 32-тонная "Перепись населения" (1991) с огромными тяжелыми фолиантами из свинца. Эта свинцовая библиотека читается как зримое утверждение материальной вещественности книги, ее будущего, резко контрастирующей с преходящей легковесностью газет и телевидения.

Многие его работы представляют собой полифонический дискурс слова и скульптуры, многомерности литературы и двухмерности холста. Его творчество рефлектирует с поэзией, философией, мистикой, историей. Кифер - безжалостный художник, вскрывающий национальные травмы немцев, анализирующий историческую ущербность "германского мифа", который привел к холокосту.

В своих работах 70-х и 80-х годов. Кифер смешивал краску с землей и пеплом, вводил элементы из дерева и  металла, создавая монументальные, грубо-фактурные живописные полотна и рельефы (Могила Алариха, 1975, Форум Людвига, Ахен; и др.). Порою, художник вводил в свои образы портреты знаменитых немцев, используя приемы гравюры на дереве и коллажа (цикл Дороги мировой мудрости, 1976–1977). Его «книги художника» тех лет (толстые альбомы с фотографиями, наклеенными на бумагу и затем обработанными кислотой и огнем) выразили ту же символику истории как беспросветно-черной руины.

В начале 1980-х  Ансельм Кифер написал серию картин Песок из провинции Бранденбург, представив в них Германию в виде безлюдной и монотонной прибрежной пустыни. Где вновь напомнил нам о мифах культуры Третьего рейха в архитектурно-графических фантазиях 1981–1983 с монументальными залами в духе нацистского зодчества.

Став после смерти Й.Бойса едва ли не самым знаменитым немецким художником, он  все чаще насыщал свои образы древне-мифологическими, «вавилонскими» ассоциациями, превращая картины (благодаря введению металла, гипса, дерева и других материалов) в масштабные рельефы, покрывающие целые стены музеев и выставок.

В конце 90-х он начал работать над циклом произведений, толчок к созданию которых дало его увлечение творчеством Поля Целана и Ингеборга Бахмана. Двух пронзительных лириков, чье творчество стало главным аргументом против тезиса Теодора Адорно «поэзия после Освенцима невозможна». Тогда как неустроенные жизни и ранние трагические смерти обоих (Целан, юношей прошедший через нацистские концлагеря и потерявший в них семью, покончил с собой, бросившись в Сену; Бахман заживо сгорела в своей римской квартире) говорили о том, какой ценой далась эта поэзия.

В 2007 году эти произведения заняли центральное место в экспозиции Кифера "Звездопад" на выставке "Монумента" в парижском "Гранд Пале". Пространство нефа Grand Palais было похоже на город после бомбардировки. Скульптура Кифера — это сложно сконструированные башни-руины из рифленых бетонных блоков, ощетинившихся арматурой, из которых то вылезают стальные поганки на тонких ножках (на самом деле это вангоговские подсолнухи), то высыпается земля вперемежку со знаменитыми, упоминавшимися ранее, книгами — увесистыми свинцовыми фолиантами. Между этих руин — уцелевшие при налете бетонные "дома", где разместились огромные (размером: шесть на восемь метров) картины или живописные полиптихи Ансельма Кифера в его фирменной "смешанной технике": холст, масло, акрил, земля, трава, свинец, пепел, дождь, огонь, кислота. Так что фактура этой живописи напоминает мусор, оставшийся после какого-то не то природного, не то исторического катаклизма.

Рядом с "домами", где помещались огромная песчано-землистая картина памяти Ингеборга Бахмана и гигантский полиптих-гербарий с вкраплениями в живопись засушенного папоротника памяти Пауля Целана, в Гран-Пале был выстроен "дом" с живописным посвящением Луи-Фердинанду Селину — писателю, проклятому во Франции за сотрудничество с нацистским режимом. Однако художественное пространство Кифера так устроено, что в нем Селин и Целан, Ницше и Адорно, несмотря на всю их земную — политическую и социальную — непохожесть, оказываются мыслителями одного экзистенциального масштаба.

Ансельм Кифер говорит, что его "Звездопад" — это размышление о всемирном метаболизме. О круговороте идей в культуре, где теория английского алхимика Роберта Фладда, будто каждой звезде на небе соответствует цветок на земле, спустя три столетия прорастает в живописи Винсента Ван Гога звездообразными подсолнухами. В этом космосе умирают звезды и люди, их тела обращаются в звездную пыль или пепел в печах Освенцима, остаются лишь руины идей — из них Ансельм Кифер и построил свой Gesamtkunstwerk, вагнерианское "синтетическое произведение искусства".

Ансельм Кифер — и главный монументалист современного искусства, и не совсем чуждый французам человек: более десяти лет назад он поселился на юге Франции — в Баржаке. Там, на заброшенной фабрике шелковых тканей, располагается его мастерская: 35 гектаров пустырей, холмов, цехов, бункеров и мусорных свалок — из всего этого вырастают скульптуры, картины и книги художника.

Гео́рг Ба́зелиц (нем. Georg Baselitz) — немецкий живописец, график и скульптор, принадлежит к числу самых дорогих из ныне живущих художников. Неоэкспрессионист, один из основоположников стиля «Новые дикие».

Базелиц, настоящее имя Ханс-Георг Керн, родился в Дойчбазелице 23 января 1938 года. Его отец был учителем в начальной школе. В 1956 переехал в Восточный Берлин, где начал изучать живопись, но был вскоре исключен из училища за «политическую незрелость», после чего поступил в западноберлинскую Высшую художественную школу. В 1958, после переезда в Западный Берлин, Базелиц встретил свою будущую жену Эльке Кретчмар. В это же время складывается его собственный узнаваемый стиль, он пишет серию картин. В 1961 он изменил свое имя на Георг Базелиц, в память о родном городе. Вместе с другим молодым художником из Саксонии, О.Шёнебеком, он в том же году устроил в районе Вильмерсдорф выставку «Пандемониум-1» (1961). Базелиц всегда тяготел к предметным, фигуративным мотивам, при этом особо ценил принцип арт-провокации, изображая фигуры порой в таких провокационно эксгибиционистских позах, что, например, в 1963 году во время персональной выставки художника в галерее Werner & Katz в Берлине произошёл скандал. Две его картины «Большая ночь в бадье» («The Big Night Down The Drain», 1962/1963) и «Обнаженный человек»(«Naked Man», 1962) были запрещены к показу как непристойные.

Главным рубежом его творческой зрелости можно считать франкфуртские картины второй половины 1960-х годов. В это время появились так называемые «Франкфуртские картины», где человеческие фигуры и предметы оказываются разделенными и тем самым «размываются» их изначальные значения. Изображаемые предметы выступают в качестве фона для живописи. Свою цель художник сформулировал таким образом: «Реальность — это сама картина, но совсем не то, что на картине». В 1969 в работе «Лес на голове» Базелиц выразил свой отказ от содержательных аспектов. Траектории нанесения красок показывают, что Базелиц писал свои картины в стиле «движения вокруг оси». С конца 1960-х годов его фирменным приемом стал «перевернутый образ» (изображение фигур вниз головой).

В 1970-е у Базелица прошли выставки в Мангейме, Гамбурге, Касселе, Амстердаме, участие в Биеннале в Сан-Паулу. В конце 1970-х Базелиц занялся скульптурой. Первым опытом была «Модель для скульптуры» (1979/1980) — раскрашенная скульптура из дерева. Влияние экспрессионизма сказывается на его скульптурных работах ещё более явно, чем в его картинах. В 1980-е известность художника растет.

В 1990 — первая большая выставка в Восточной Германии (Национальная галерея в Старом музее Берлина). В 1993 оформляет постановку оперы Харрисона Бёртуистла «Панч и Джуди» в Амстердаме. В 1995 — большие выставки в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Вашингтоне и Лос-Анджелесе.

Базелиц занимал пост профессора Академии художеств в Карлсруэ и западноберлинской Высшей художественной школы.

Йенс Гессе (Jens Hesse)—современный художник, родившийся в 1973-м году в немецом городе Хессен, а в настоящее время живущий в бельгийском Антверпене. На большинстве его картин изображены искаженные лица людей. Работы художника были удостоены нескольких наград в области современного искусства и многократно выставлялись в Германии и Бельгии.

В то время, пока обычные люди ругаются, вертят телевизионную антенну и стучат кулаком по ящику, пытаясь подправить, откорректировать, выровнять картинку на экране, немецкий художник Йенс Гессе (Jens Hesse) с садистским удовольствием впитывает в себя корявое, сбившееся, искаженное изображение, запоминая каждую черточку, каждый оттенок. А все потому, что там, в неисправном телевизоре, живет его собственная муза, дающая вдохновение на очень странную, непонятную многим живопись. Дело в том, что Йен Гессе рисует портреты, пейзажи, животных и натюрморты так, как они бы выглядели на экране плохого телевизора.

Многие будут плеваться, глядя на эти искаженные, поплывшие лица изображенных на картинах людей. Дескать, взялся за кисть, так рисуй по-человечески. Ну уж нет, ухмыляется художник. Коль мы достаточно глубоко завязли в технологиях, вступили в век цифровой техники, роботов и автоматики, будьте любезны смотреть на то, чего добивались. Так или иначе, но даже самая дорогая техника иногда дает сбои. Если говорить о телевизоре, то в результате мы видим именно это: "поплывшую" картинку, искаженные цвета, а то и чего похуже.

Работая в жанре сюрреализма, Йенс Гессе несколько усилил эмоциональные составляющие своих картин, чтобы у наверняка заинтересовать и затронуть зрителей, а то и дать им возможность лишний раз улыбнуться. Смеяться над корявой картинкой в телевизоре тогда, когда охота посмотреть фильм или передачу в нормальном режиме, как-то не хочется. Но когда собственный телевизор в порядке, можно и посмеяться.

Йенс Гесса сегодня живет и работает в Бельгии, городе Антверпен. Там же, в Бельгии, он участвует в галереях и выставках, где его удивительные картины неизменно пользуются популярностью.

Маттиас Вайшер

В живописи Маттиас Вайшер использует архитектуру как центральную тему для изучения возможностей пространственного воображения. Орнаментальное богатство, несовместимые перспективы и сложное расположение объектов используются для создания психологического напряжения. Посредством банальности дизайна Вайшер представляет состояние современного сознания, когда модель жизни отражает желание и тревогу. Богатые поверхности контрастируют с геометрическими абстрактными полями с проработанными декоративными деталями, создавая игру между плоскостью и объёмом. Начиная с плана пустой комнаты, Маттиас Вайшер строит воображаемый интерьер слой за слоем, каждый добавляемый элемент раздвигает границы воспринимаемого пространства. Головокружительные повторяющиеся мотивы и визуальные загадки в духе Эшера вызывают ощущение сверхъестественного. Каждый холст представляет невероятную конструкцию. Никогда не населенные, пустынные интерьеры Вайшера не дают намека на характер своих жителей.

Ульрих Ламсфусс (нем. Ulrich Lamsfuss, род. 1971 в Бонне, живёт и работает в Берлине, Германия) - современный немецкий живописец.

Ульрих Ламсфусс относится к поколению художников, которые стилистически колеблются между постимпрессионизмом, постэкспрессионизмом и фотореализмом. Что объедидняет их ещё больше, так это активное использование образов средств массовой информации и их трансформация в нарисованную реальность. Картины Ламсфусса воспроизводят образы из разных источников: из журналов о моде и путешествиях, фильмов, истории искусства. Он тщательно копирует каждое изображение при помощи карандашной сетки, квадрат за квадратом, двигаясь от верхнего левого угла изображения к правому нижнему. Воссозданные в масле на протяжении нескольких долгих недель, они в этом отношении противоположны первоисточникам, на которых основаны - мгновенным снимкам, сделанным в доли секунды. «Mutter und Kind» основана на репортажной фотографии, снятой в сомалийском госпитале во время гражданской войны известным фотографом Chris Steele-Perkins агентства Magnum. «Stefan Jellheden» воспроизводит рекламу, созданную датским фотографом для Louis Vuitton, которая в свою очередь основана на знаменитой новостной фотографии горящего вьетнамского монаха (1963). Первая фотография – момент скорби и страдания из реальной жизни, вторая – предназначенная для общества массового потребления, постановочная. Как представление современного мира, они, однако, равноценны для художника.