Направления, течения, стили искусства XX века

Областное государственное образовательное учреждение

Среднего профессионального образования

«Ростовский колледж искусств»

Реферат по предмету

История мировой культуры

на тему:

«Направления, течения, стили искусства XX века».

Выполнила:

Студентка 2 курса

Нестеренко Т.В.

Отделение народных инструментов

Очно-заочно-вечернее отделение

Ростов-на-Дону

Авангард

Авангард 1910-х годов представляет довольно сложную картину. Он характерен стремительной сменой стилей и направлений, изобилием групп и объединений художников, каждое из которых провозглашало свою концепцию творчества. Нечто аналогичное происходило и в европейской живописи в начале века. Однако, смешение стилей, «неразбериха» течений и направлений были неведомы Западу, где движение к новым формам было более последовательным. Многие мастера молодого поколения с необычайной стремительностью переходили от стиля к стилю, от этапа к этапу, от импрессионизма к модерну, затем к примитивизму, кубизму или экспрессионизму, проходя множество ступеней, что было совершенно нетипично для мастеров французской или немецкой живописи. Ситуация, которая сложилась в русской живописи во многом была обусловлена предреволюционной атмосферой в стране. Она усугубила многие из тех противоречий, которые были присущи всему европейскому искусству в целом, т.к. русские художники учились на европейских образцах, были хорошо знакомы с различными школами и живописными течениями. Своеобразный русский «взрыв» в художественной жизни сыграл таким образом историческую роль. К 1913 году именно русское искусство вышло к новым рубежам и горизонтам. Появилось совершенно новое явление беспредметности — черта, за которую не решились перейти французские кубисты. Один за другим переходят эту черту: Кандинский В.В., Ларионов М.Ф., Малевич К.С., Филонов П.Н., Татлин В.Е.

Свои силы испытали: Альтман Н.И., Глебова Т., Гончарова Н.С., Кончаловский П.П., Куприн А., Лентулов А.В., Машков И.И., Пуни И.А., Родченко А.М., Розанова О.В., Фальк Р.Р., Шагал М.З., Экстер А.А. Через несколько лет в творчестве Татлина сомкнутся воедино техника и искусство, искусство и наука. Он скажет: «...Наиболее эстетические формы и есть наиболее экономические. Работа над оформлением материала в этом направлении и есть наиболее искусство». Это будет в 1932 году, когда новые эстетические принципы сформируются на основании творчества многих художников авангардного направления. Прежде всего, это объединение «Бубновый валет», на примере которого можно проследить, как соединялись кубистические принципы европейского искусства с русскими национальными тенденциями в искусстве.

Марк Шагал.

Российский художник и поэт, один из самых известных представителей художественного авангарда XX в. Шагал сумел органически соединить древние традиции иудейской культуры с остросовременным новаторством.

Все творчество Шагала изначально автобиографично и лирически исповедально. Уже в ранних его картинах доминируют темы детства, семьи, смерти, глубоко личностные и в то же время «вечные» ("Суббота", 1910 г. – изображение справа). Со временем на первый план выходит тема любви художника к своей первой жене - Белле ("Над городом", 1914–1918 гг., картина представлена слева). Характерны мотивы «местечкового» пейзажа и быта вкупе с символикой иудаизма ("Ворота еврейского кладбища", 1917 г.). Однако, вглядываясь в архаику, в том числе и в русскую икону и лубок (которые оказали на него большое влияние), Шагал примыкает к футуризму и предугадывает будущие авангардные течения.

Гротескно-алогичные сюжеты, резкие деформации и ирреально-сказочные цветовые контрасты его полотен ("Я и деревня", 1911 г.; "Автопортрет с семью пальцами", 1911–1912 г.) оказывают большое влияние на развитие сюрреализма. До конца жизни в его творчестве прослеживались «витебские» мотивы.

Произведениям Шагала присуще алогичное расположение предметов в ирреальном пространстве, эскизность и неопределённость рисунка, фантастичность и яркость цветового строя («Я и деревня», 1911 г.; «Над Витебском», 1914 г.). Шагал иллюстрировал «Мёртвые души» Н. Гоголя (офорт, 1923-1927 гг.), Библию (литография, 1931-1936 гг.). Шагал - автор ряда декоративных произведений - панно для Камерного еврейского театра в Москве (1920 г.), оформление балета «Жар-птица» И. Стравинского в постановке Дж. Баланчина (1944-1945 гг.), эскизы витражей для собора в Меце (1958 г.). В 1941 г. руководство Музея современного искусства в Нью-Йорке приглашает художника переселиться из контролируемой фашистами Франции в США, и летом 1941 г. семья Шагала приезжает в Нью-Йорк. Узнав о страшной судьбе родного города, который за три года немецко-фашистской оккупации был почти полностью разрушен и потерял все население, Шагал написал "Письмо моему родному Витебску", которое было опубликовано в 1944 г. в одной из американских еврейских газет. В 1944 г. умирает жена художника, Белла. Роман с В. Макнилл-Хаггард - у них родился сын. В 1947 г. Шагал возвращается во Францию. В 1952 г. женится на В. Бродской. Второй брак был счастливым, но музой оставалась только Белла. В 1973 г. художник приезжает в СССР по приглашению советского министерства культуры. Посещает Москву и Ленинград, проводит выставку в Третьяковской галерее, дарит Третьяковке и Музею изобразительных искусств им. А. Пушкина свои работы.

Абстракционизм

Абстракционизм (искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство) — художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, П. Мондриана и К. Малевича. В.Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и «диких». Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.

После 1-й мировой войны 1914–18 годах тенденции абстрактного искусства зачастую проявлялись в отдельных произведениях представителей дадаизма и сюрреализма; вместе с тем определилось стремление найти применение неизобразительным формам в архитектуре, декороративном искусстве, дизайне. Несколько групп абстрактного искусства («Конкретное искусство», 1930; «Круг и квадрат», 1930; «Абстракция и творчество», 1931), объединивших художников различных национальностей и направлений, возникло в начале 30-х гг., главным образом во Франции. Однако широкого распространения абстрактное искусство в то время не получило, и к середине 30-х гг. группы распались. В годы 2-й мировой войны 1939–45 в США возникла школа так называемого абстрактного экспрессионизма (живописцы Дж. Поллок, М. Тоби и др.), развивавшегося после войны во многих странах (под названием ташизма или «бесформенного искусства») и провозгласившего своим методом «чистый психический автоматизм» и субъективную подсознательную импульсивность творчества, культ неожиданных цветовых и фактурных сочетаний. В 60-х гг. как один из вариантов абстрактного искусства развивался поп-арт; вместе с тем в этот период абстрактное искусство как течение теряет свои позиции и вытесняется различными направлениями.

Василий Кандинский.

В раннем творчестве Кандинского натурные впечатления служили основой для создании ярких красочных пейзажей, иногда с романтически-символической нагруженностью сюжетов («Синий всадник», 1903, – изображение справа). Середина и вторая половина 1900-х гг. прошли под знаком увлечения русской стариной; в картинах «Песня Волги» (1906), «Пестрая жизнь» (1907), «Рок» (1909) художник совмещал ритмико-декоративные черты русского и немецкого модерна с приемами пуантилизма и стилизацией под народный лубок.

В 1910 создал первое абстрактное произведение и написал трактат, озаглавленный «О духовном в искусстве».

Абстрактные полотна группировались художником по трем циклам: «Импрессии», «Импровизации» и «Композиции». Ритм, эмоциональное звучание цвета, энергичность линий и пятен его живописных композиций были призваны выразить мощные лирические ощущения, сходные с чувствами, пробуждаемыми музыкой, поэзией, видами прекрасных ландшафтов. Носителем внутренних переживаний в беспредметных композициях Кандинского становилась колористическая и композиционная оркестровка, осуществленная живописными средствами — цветом, точкой, линией, пятном, плоскостью, контрастным столкновением красочных пятен.

С началом войны Кандинский, российский подданный, вынужден был покинуть Германию. Возвратившись на родину через Швейцарию и Балканы, он поселился в Москве; в 1916 посетил Швецию, в 1917 Финляндию. Его живописные работы предреволюционных и революционных лет обладали широким стилистическим диапазоном: продолжая создавать экспрессивно-абстрактные полотна («Смутное», «Сумеречное», обе 1917; «Белый овал» - представлена слева, 1920, и др.), художник писал и обобщенно-реалистические натурные пейзажи («Москва. Зубовская площадь», «Зимний день. Смоленский бульвар», обе ок. 1916), не оставлял занятий живописью на стекле («Амазонка», 1917; «Дамы в кринолинах», ок. 1918).

В 1922 Кандинского пригласили преподавать в школу «Баухауз», где ему были поручены занятия по стенной живописи, по теории формы. В живописи и графике Кандинский обратился к воплощению своеобразных космологический идей, интерес к которым возник у него еще в России (графическая серия «Малые миры», 1923). В 1924-25 вместе с художниками Л. Фейнингером, А. Г. Явленским, П. Клее вошел в объединение «Синяя четверка».

Экспрессивно-органический стиль Кандинского трансформировался в 1920-30-е гг.; композиции с широким использованием правильных геометрических элементов приобрели более упорядоченный характер («В черном квадрате» - изображение слева, 1923, «Тринадцать квадратов», 1930, и др.). Творчество парижского периода, получившее наименование «синтетического», отмечено отпечатком воздействия сюрреалистической живописи («Разные части», «Вокруг круга», обе 1940, «Разнообразные действия», 1941, и др.). Работы Кандинского были включены нацистами в экспозицию «Дегенеративное искусство» (1937), часть его произведений была уничтожена. Первые месяцы фашистской оккупации художник провел в Пиренеях. Отказавшись эмигрировать в США, в августе 1940 возвратился в Париж.

Казимир Малевич.

Творчество К.С. Малевича занимает особое место в истории русского искусства. Он является создателем «геометрического» варианта беспредметного искусства — знаменитого супрематизма.

Цвет и чувство динамики художник считал основными и фундаментальными элементами живописи. Цвет несет в себе энергию, которая не связана с предметом, поэтому это изобразительное средство не нуждается в форме. Но беспредметность не предполагает отмену «старого» искусства, а является его логическим продолжением и завершает собой тенденцию, которую начали мастера кубизма. Показательно, что беспредметные работы Малевич выполнял в традиционной технике письма маслом на холсте.

Новые произведения Малевич представил на «Последней футуристической выставке картин 0,10» в 1915 г., организатором которой был его случайный визитер художник И.А. Пуни. Чтобы сохранить свое первенство, Малевич накануне выставки опубликовал брошюру, на обложке которой впервые появился новый термин: «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм». Название было образовано от латинского слова «supremus» — «высший». Среди 39 представленных па выставке работ были знаменитые ныне картины «Черный квадрат» (1914-1915) и «Красный квадрат» (1915), а также целый ряд полотен под одинаковым названием «Супрематизм». Справа вверху представлено изображение «Супрематическая композиция». В начале 1920-х этот ряд дополнили «Черный крест» и «Черный круг» - представлены слева. В 1916 Малевич организовал группу «Супремус», в задачи которой входила теоретическая и практическая разработка идей супрематизма.

В 1919 г. Малевич руководил мастерской в Государственных свободных художественных мастерских и в том же году получил приглашение работать в Витебской Высшей народной художественной школе, которую возглавлял М.З. Шагал. Малевич стремился внедрить коллективный метод образования и творчества, который вызвал методологические споры с М.З. Шагалом. В результате М.З. Шагал уехал из Витебска, а Малевич занял его место на посту руководителя школы. В 1920 г. в итоге поисков организационных форм и названия «новая хартия в искусстве», как обозначил группу сам Малевич, получила имя Уновис (Утвердители нового искусства). На выставках все картины экспонировались анонимно. В 1920 у Малевича родилась дочь Уна (названа в честь Уновиса), и в том же году он издал в Витебске альбом «Супрематизм. 34 рисунка».

Сюрреализм

Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа. Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.

Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда (правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Рене Магритт относился к нему весьма скептически). Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность.

Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau) и Одилон Редон.

Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Они работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание.

Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Они провозглашали неконтролируемое создание текстов — автоматическое письмо.

Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления (пример тому — зрелые работы классика сюрреализма Рене Магритта). Такая ситуация хорошо видна в кинематографе, продолжившем традиции сюрреализма, потерявшие со временем свежесть в живописи и литературе.

Весной 1917 года Гийом Аполлинер придумал и впервые употребил термин «сюрреализм» в своём манифесте «Новый дух», написанном к скандально нашумевшему балету «Парад». Этот балет был совместной работой композитора Эрика Сати, художника Пабло Пикассо, сценариста Жана Кокто, и балетмейстера Леонида Мясина: «В этом новом союзе ныне создаются декорации и костюмы, с одной стороны, и хореография — c другой, и никаких фиктивных наложений не происходит. В „Параде“, как в виде сверхреализма (сюрреализма), я вижу исходную точку для целого ряда новых достижений этого Нового духа».

Париж, с 1920 по 60-е года он распространился по всей Европе, Северной и Южной Америке (включая страны Карибского бассейна), по Африке, Азии, а в 80-х годах и по Австралии.

Сальвадор Дали.

Испанский художник, поэт, теоретик искусства. В 1924-26 учится в Мадридской академии Сан-Фернандо, увлекается идеями анархизма, интересуется современными французскими мастерами, прежде всего символистами, а затем фовистами, кубистами и футуристами (П. Пикассо, Ж. Брак, Ф. Пикабия, Х. Грис, К. Карра), работает в их манере. Дружит с Гарсией Лоркой, Р. Альберти, Д. Олонсо, Л. Бюнюэлем. Пропагандирует в Каталонии концепции нового искусства, пишет первые манифесты и теоретические эссе. Одновременно изучает живопись старых мастеров; его работы, исполненные в манере "магической вещественности" ("Девушка, стоящая у окна", 1925 – изображение справа), навеяны впечатлениями от картин Сурбарана и Вермера Делфтского.

В 1928 переезжает в Париж, в 1929 встречает свою будущую жену - Гала (Галина Дьяконова), ставшую постоянной моделью его картин. Дали сближается с сюрреалистической группой А. Бретона. Участвует в создании фильма "Андалузский пес", вызывающего благодаря монтажу ассоциации, полные гротескного абсурда. Как некие кадры несостоявшегося фильма, запечатлевающие мир снов и галлюцинаций, воспринимаются такие произведения Дали, как "Великий мастурбатор" (1929), "Раскрашенные удовольствия" (1929), цикл работ, посвященный В. Теллю, вариации на тему картин Ф. Милле и другие.

Обращаясь к сфере подсознательного, интересуясь эротикой, неосуществленными желаниями, игрой воображения, Дали стремится объективировать видения (метод "паранойи"), дать тотальное описание безумия. В навязчиво иллюзионистической манере, призванной убедить зрителя в реальности бредового мира, Дали с необыкновенно изощренной фантазией совмещает объекты совершенно разнородные, сталкивает их друг с другом в противоестественных ситуациях. Знамениты образы Дали: расплавившиеся часы, телефон-аппарат с трубкой в виде лангуста, диван-губы, рояль, свисающий словно драпировка, и другие. Использует он и прием "исчезающих образов", которые как бы растворяются в окружающем пространстве.

Страх перед непознаваемой действительностью отразился в картинах "Постоянство памяти" (1931 – изображение справа), "Пылающий жираф" (1935). В работах "Предчувствие гражданской войны в Испании" (1936) и "Осенний каннибализм" (1936) представлены ужасающие мутанты, уничтожающие друг друга. В 1930-х гг., помимо живописи,

Вскоре Дали ссорится с Бретоном, порывает с парижской группировкой сюрреалистов, объявив себя истинным представителем этого движения. В 1940 уезжает в США. Среди известных картин этого времени - "Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения" (1944) - своеобразная иллюстрация к фрейдизму. Дань атомной "моде" отдана в таких композициях, как "Атомная Леда" (1947) и в попытке создать институт по изучению атомной бомбы в отношении искусства. Возвращение в Испанию.

В 1948 возвращается в родной Фигуэрас. Он все более проникается идеями католицизма. Религиозные мотивы, классицистическая композиция, подражание технике старых мастеров характерны для таких его картин 1950-х гг., как "Мадонна порта Льигат" (1949, Общественный институт изящных искусств, Милуоки), "Христос св. Ионна на кресте" (1951), "Тайная вечеря" (1955, Национальная галерея искусств, Вашингтон), "Открытие Америки, или Мечта Христофора Колумба" (1958-59).

Фрида Кало

Известная мексиканская художница, жена Д. Риверы, автор пронзительно откровенных автопортретов. Родилась в Койоакан в семье фотографа-еврея и испанки. Училась в Национальной подготовительную школе (самый пристижный институт Мексики). В Препаратории произошла её первая встреча с будущим мужем, известным мексиканским художником Д. Риверой, с 1921 по 1923 гг. работавшим в Подготовительной школе над росписью "Созидание".

В 18 лет Кало попала в тяжелую аварию, пришлось перенести несколько операций, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Именно после трагедии она впервые стала работать как художник. Для Кало сделали специальный подрамник, позволявший писать лежа. Первой картиной был автопортрет, что навсегда определило основное направление творчества: "Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего".

В 1930-х гг. Кало какое-то время жила в США, где работал муж. Поездка в Париж в 1939 г., где Кало стала сенсацией тематической выставки мексиканского искусства (одна из её картин была даже приобретена Лувром). С особенной любовью художница относилась к народной мексиканской культуре, коллекционировала старинные произведения прикладного искусства, в повседневной жизни носила национальные костюмы. Ни на одном автопортрете Кало не улыбается. Характерный для латинской Америки магический реализм разлит по картинам Кало: собственная бурная и жестокая жизнь становится нежной колыбельной всему миру. На картинах Кало своей независимой от общей композиции жизнью живут самые разные вещи - от сорванных цветков до стульев, от зверей до раковин... Мир Кало не признает пустот, он бесконечно заполнен. В нее врастают деревья и перчатки, сигареты и заводские трубы. Черная мантилья срастается с черными волосами; всё ее творчество - поэма симбиоза. В 1940-е гг. картины Кало появляются на нескольких заметных выставках.

Кало умерла от воспаления лёгких через год после того, как состоялась её первая персональная выставка на родине. Громкий посмертный успех Кало объясняется не только высокими достоинствами ее художественных работ, но и ее яркой жизнью. В "Голубом доме" Кало в Койоакане - теперь музей художницы.

Кубизм

Кубизм — (фpaнц. cubisme, oт cube — кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Mнoгиe pyccкиe xyдoжники пpoшли чepeз yвлeчeниe кyбизмoм, чacтo coeдиняя eгo пpинципы c пpиeмaми дpyгиx coвpeмeнныx xyдoжecтвeнныx нaпpaвлeний — фyтypизмa и пpимитивизмa. Cпeцифичecким вapиaнтoм интepпpeтaции кyбизмa нa pyccкoй пoчвe cтaл кyбoфyтypизм.

Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года — канун первой мировой войны. Новоявленное течение в модернистском искусстве вызвало естественное бешенство среди мещан. За кубизмом в изобразительном искусстве в свое время стоял круг поэтов и критиков, следовавших философии Бергсона, также весьма условно именовавшихся кубистами.

Отцами кубизма считают Ж. Брака и П. Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернана Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др. Слово «кубизм» по-видимому возникло в 1908 году. Существует легенда о том, что Матис увидев картину Брака «Дома в Эстаке», сказал, что она напоминает ему изображение кубиков. В том же году в журнале «Жиль Блаза» критик Луи Воксель пишет о живописи Брака, как о сводящейся к изображению кубов. Так насмешливая шутка Матиса переросла в название новой школы. Период 1907-1912 годов — период аналитического кубизма (называемого также стереометрическим или объемным).

В это время происходит сенсационное преобразование художественной реальности, невиданное доселе — разложение формы, в данном случае на кубы. Художественная практика кубистов: отказ от перспективы, сокращение фигур в ракурсах, показ их одновременно с нескольких сторон, тяготение к обратной перспективе. В 1908-1909 годах и Брак и Пикассо ищут приемы за пределами кубизма.

После 1912 года начинается период так называемого «синтетического» кубизма, именуемого также «кубизмом представления» Принцип создания художественного пространства заключался в наполнении изобразительной плоскости элементами расчлененного предмета, которые с треском сталкиваются между собой, ложатся рядом, перекрывают или проникают друг в друга. Таким образом, картина создается как нарисованный коллаж из отдельных аспектов формы, как бы разрезанный на мелкие части. Форма у кубистов предстает в виде плоского отпечатка, одновременно с разных сторон.

Пабло Пикассо.

Особенностью творчества Пабло Пикассо на протяжении целого полувека являются его неистощимая изобретательность, сложность и неожиданность его формальных поисков, своеобразная экспрессивность и необычайно энергичный художественный темперамент.

Пикассо начал свой творческий путь после обучения в Барселонской Академии, в которой его отец был профессором, с очень строгих и красивых реалистических портретов. Реалистическая струя, уживающаяся в его творчестве с чисто формальными поисками, ясно выражается во многих работах первого десятилетия 20 века, продолжается в годы первой мировой войны в «Арлекине» (1917), в портретах его жены Ольги Хохловой (1930), сына Поля («Поль в одежде арлекина», 1924), вплоть до портрета маслом «Жаклина с черным шарфом» (1954) и таких рисунков, как портрет Мориса Тореза (1945).

В начале 20 века Пикассо окончательно переселяется в Париж. В некоторых его работах, как, например, в «Любительнице абсента» (1901 – справа вверху), звучат острые пессимистические ноты, обнаруживается воздействие Тулуз-Лотрека. В 1901—1904 годах появляются работы так называемого «голубого» периода его творчества, характерные напряженной, несколько грустной эмоциональной характеристикой образов. Пикассо в значительной мере исходит из своеобразно понятого им наследия Эль Греко, как показывают его «Старик с мальчиком» (1903 - слева) и «Свидание» (1902).

В следующие два года — в «розовый» период — печальные, пессимистические переживания остаются лейтмотивом его произведений. В это время художник изображает преимущественно тяжелую жизнь странствующих акробатов, маленьких людей, отщепенцев буржуазного общества. Характернейшей картиной этого времени является «Девочка на шаре» (1905 – справа). В этот период вырабатывается тонкий вкус Пикассо к сложным нюансам, мягким и музыкальным отношениям тонов, связанным с увлечением античной фресковой живописью.

В 1907 году Пикассо заканчивает свою первую формалистическую картину «Авиньонские девушки», с которой начинается кубистический период его творчества.

В изобретенном им кубизме Пикассо идет от геометрического синтетического обобщения формы в духе Сезанна к постепенно усиливающемуся аналитическому разложению формы на отдельные геометризованные элементы, доходя до полного уничтожения предметности изображения. После 1912 года Пикассо и другие кубисты почти совсем перестают изображать реально существующие предметы, конструируют новые, небывалые формы. Так, в их творчестве уничтожается и традиционная живописная техника, подменяемая бумажными наклейками и другими фактурными выдумками.

В начале 20-х годов ощущение неудовлетворенности и поиски какой-то устойчивости в искусстве приводят Пикассо к формированию «неоклассицизма». Возвращение от кубизма к классике носит, однако, в творчестве Пикассо формальный характер. В «Сидящей женщине» (1923) и в других подобных произведениях пластическая форма осмысливается художником как особая формальная логическая категория, которой художник оперирует более или менее произвольно.

Параллельно с неоклассицизмом в картины Пикассо входит во второй половине 20-х годов новое, «сюрреалистическое» начало. В этих произведениях возникают причудливо искаженные образы, построенные на иррациональной системе ощущений. Возникает множество картин, например «Сидящая купальщица» (1930, Нью-Йорк), выражающих общее не контролируемое разумом, безотчетно тревожное состояние. Работы этого периода иногда называют в искусствоведческой литературе «анатомией снов».

Пикассо одним из первых становится в ряды художников, протестующих против варварства фашистов и выступающих в защиту молодой Испанской республики. Он создает серии офортов «Мечты и ложь Франко» и большое панно «Разрушение Герники» - изображение справа вверху.

Художнику дважды была присуждена Международная премия мира.

Гиперреализм

Гиперреализм (hyperrealism — англ.), или фотореализм (photorealism — англ.) — художественное течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографии, воспроизведении действительности. И в своей практике, и в эстетических ориентациях на натурализм и прагматизм гиперреализм близок к поп-арту. их прежде всего объединяет возврат к фигуративности. Выступает антитезой концептуализму, не только порвавшему с репрезентацией, но и поставившему под сомнение сам принцип материальной реализации художественного концепта.

Магистральным для гиперреализма является точное, бесстрастное, внеэмоциональное воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма — реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, макрофотографический портрет «человека с улицы», создается впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности.

Вместе с тем, наряду с тенденциями «масс-медиатизации» искусства, в гиперреализме присутствует и поисковый, экспериментальный пласт, связанный с усвоением наиболее передовых технологий и приемов фотографии и киноискусства: крупный план, детализация, оптические эффекты, монтаж, полиэкран, авторская раскадровка, съемка с высокой точки и т.д.

Гиперреализм возник в США во вт. пол. 60-х гг. Творчество его адептов в области живописи посвящено достаточно опр. тематике: усеченные рекламные щиты (Р. Коттин-гэм), брошенные автомобили (Д. Солт), витрины с отражающейся в них городской жизнью (Р. Эст, Р. Гоингз), конные бега (Р. МакЛиэн).

Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов — Д. де Эндреа, чьи выполненные в натуральную величину работы отмечены ироническим отчуждением. Манекеноподобные обнаженные фигуры («Сидящая брюнетка на пьедестале», «Сидящие мужчина и женщина»), воспроизводящие роденовские позы — своего рода кичевые антигерои, пародирующие идолов коммерческой рекламной красоты. Их цветущая плоть контрастирует с внутренней пустотой моделей, находящихся в антипигмалионовских отношениях со своим создателем («Автопортрет со скульптурой»). Являясь не только музейными, выставочными экспонатами, но и модными атрибутами современных деловых интерьеров, натуралистически детализированные «ню» рассчитаны на эстетический шок. С ними рифмуется физиологизм персонажей-прототипов американизма (Д. Хэнсон), а также гиперреалистическая сексуальная символика мощных фигур, лишенных головы и ног, в атлетическом реализме (Р. Грэхем).

Художественный опыт гиперреализма явился предтечей постмодернизма в живописи и скульптуре. Ряд его приемов стал органической частью постмодернистского художественного языка. Так, «навязчивый реализм» (М. Леонард, Б. Джонсон, С. Холи) сочетает традиционную натуралистическую технику с современной кино-, фото-, видеоприемами воздействия на зрителя, эффектами виртуальной реальности: гипнотически жизнеподобные детали в сочетании с нулевым градусом интерпретации создают атмосферу солипсистской замкнутости личности на фоне самодостаточной вещности мира.

2